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Artista: The Osiris Club

Titolo: Blazing World

Etichetta: INDIE RECORDINGS

Autore: Lorenzo Becciani

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Per la rubrica “Live Review” la nostra lettrice Maria Ludovica De Dominicis ci ha inviato la sua recensione del concerto di Alessandro Quarta

Non solo con il poderoso vigore espressivo della sua interpretazione e con la perfezione del suono, ma anche con una sapiente narrazione, Alessandro Quarta ha sedotto ed ipnotizzato il pubblico dell’Auditorium parco della musica di Roma, dinanzi al quale ha presentato il suo Alessandro Quarta Plays Astor Piazzolla, già candidato ai Grammy e primo album al mondo con sonorità jazz registrato in 3 D.

Racconta, Quarta, delle origini del tango ed evoca oscuri sobborghi di Buenos Aires odorosi di salsedine ed alcol, e di milonghe dolcissime ballate in lontane balere; narra di tanghi danzati nei bordelli vicino al porto e di una fisarmonica -il bandoneon – creata per suonare in Chiesa a lode di Dio, ma destinata ad accompagnare “prostitute bellissime e sporche” in danze intrise d’erotismo e di fierezza; racconta, infine, d’un Piazzolla che stravolge il tango e fugge a Parigi, inseguito da cento pugnali.

“Ed ora, se ci sono bambini in sala, tappate loro le orecchie, perché questo è sesso” avvisa il maestro, e la sua musica sprigiona una potenza erotica e creatrice, sembra portare sul palco la furia degli elementi, ma è una furia che esplode tra la perfezione  degli arrangiamenti, nel rigore ritmico, nella perfezione dei virsuosimi. Ed è qui che nasce la bellezza, dal connubio d’irruenza e di temperanza tra cui si snodano, una dopo l’altra, la “Habanera”di Bizet e “Por una cabeza” di Gardel seguite da un ineguagliabile Fracanapa: il nuevo tango di Piazzolla. I brani sono  magistralmente eseguiti anche grazie alla sintonia con l’ensemble composto dai talentuosi Giuseppe Magagnino (piano), Michele Coaci (contrabbasso), Franco Chirivì (chitarra) e Cristian  Martina (batteria). 

Parigi sembra emergere e prendere forma

Fugge, dunque, Piazzolla, a Parigi, ed ecco comparire una musica lieve, “Chau Parìs”, poi la grazia di “Rio Sena”, e….” Parigi…”- sussurra Quarta indicando con un cenno del volto il suo violino,  dal quale davvero Parigi sembra emergere e prendere forma dinanzi agli occhi incantati degli spettatori –  e pare al  pubblico di vedere l’eleganza spensierata del liberty, donne esili dagli ombrellini in pizzo e baluginii di luce sul lungosenna. Riprende la narrazione,  Quarta, e racconta di pittori che escono dalle accademie, di musicisti cacciati dai conservatori, di come tutto ciò che oggi diciamo “classico” sia stato in origine rottura, tradimento, innovazione, dissacrazione.

Con la parola e con l’archetto Quarta squarcia come inutili “vesti senza significato” archetipi e vecchi schemi,  per giungere al cuore vero delle cose: “non esiste musica classica e musica leggera – spiega il Maestro citando Bernstein – : esiste solo musica bella e musica brutta” . E la musica bella può avere origine ovunque, persino là dove abbiamo dimenticato che sia nata: Quarta racconta con sincera partecipazione delle lettere in cui Mozart confidava al padre la sua malinconia: “sono stanco di suonare per gente che non mi ascolta”, cioè in feste in cui la sua musica – tra le più grandi, le più sublimi di tutti i tempi – era sommersa da risate e chiacchiericci, “perché Mozart faceva in realtà quello che noi oggi chiamiamo piano bar”.

La bella musica ed il bel canto possono dunque nascere ovunque e Quarta le cerca nelle balere oscure e malfamate di Buoenos Aires, nelle sfide danzate tra uomini per la conquista della la più bella tra le prostitute in attesa, e la sua musica è cuore di un umanesimo disarmante, che prima trascina il pubblico in un tango che “è sesso, è attrazione fisica, è sudore” , e  poi, dopo averlo fatto così piacevolmente peccare, lo assolve, con la dolcezza di “Years of Solitude”, in un’esecuzione indimenticabile non solo per  l’intensità espressiva, la dolcezza,  e l’empatia profonda per un Piazzolla intriso di nostalgia per la sua terra, ma anche per la perfezione di alcune singole note, quelle finali, in particolare, che da sole sono avventure compiute, nel loro lungo vibrare come stelle tremule, assottigliarsi così tanto da temere che si spezzino, così tanto che si vorrebbe correre in loro soccorso e quasi proteggerle, per poi sopirsi in un corale sospiro del pubblico, che si lascia andare sugli schienali, stremato.

Un eclettismo che seduce gli spettatori

Musicista di formazione classica, Quarta vanta un curriculum prestigioso: cresciuto con i più grandi direttori al mondo,ha suonato con musicisti del calibro di L. Maazel, E. Inbal, C. Dutoit, M. Rostropovich, M.W. Chung, G. Pretre, Z. Metha. È stato arrangiatore e solista con i Solisti dei Berliner Philharmoniker e di recente autore del brano Dorian Gray per Roberto Bolle. Il concerto tuttavia svela un talento  eclettico, affinato anche grazie alle incursioni del Maestro Quarta nel blues, nel pop e nel rock: nella sua carriera, Quarta ha affiancato musicisti come Ray Charles, Dee Dee Bridgewater, Mike Stern, Joe Cocker, Mark Knoplfer.

È questo eclettismo che consente all’ormai celebre violinista di sedurre i frequentatori delle più esclusive sale da concerto come quelli delle grandi arene del rock; di suonare – come un grande musicista classico –   con una passione che non deraglia mai dai binari della temperanza e di una rara  padronanza tecnica ma anche, come una vera rock star, e di fare di se stesso e del suo pubblico la vera materia del suo suonare.

Ed è uno spettacolo osservarlo, Quarta, mentre suona con anima e corpo, trasformandosi lui stesso in musica – un sol, fa, sol e tutti i muscoli della fronte e delle sopracciglia si alzano, si abbassano, si alzano ancora- trasformando in musica un pubblico ormai in delirio, mentre lui, dopo averci ricordato che siamo nelle tranquillizzanti braccia di infallibili serie matematiche, fiammeggia, con  una travolgente esecuzione di  “Oblivon”, seguita da “Adios Nino“, “Jeanne Y Paul”, ed infine “Libertango”, nel gioioso possente miscuglio di stili e danze da cui ogni musica trae origine e canta, con Borges, gli antenati del suo sangue e dei suoi sogni.

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“Tetris fra Gioventù e Tradizione”: la recensione del concerto dei Pinguini Tattici Nucleari  dell’11 aprile al Teatro della Concordia di Venaria (To)

É giovedì sera, piove su Venaria Reale (TO) ed il Teatro della Concordia registra un sold-out inconsueto. Non si tratta di un artista inflazionato, bensì dell’apparentemente innocua band bergamasca chiamata “Pinguini Tattici Nucleari” e del suo indie-rock variegato.

Il sestetto (nato nel 2012), ha saputo attrarre verso di sé un pubblico eterogeneo negli anni, con quattro album pubblicati che spaziano dall’indie al progressive rock, con assaggi funk, metal e rock demenziale.

Uno spettacolo di assoluta qualità e costanza

Lo spettacolo da loro proposto è di assoluta qualità e costanza: il frontman Riccardo Zanotti regge il palco con energia e coinvolgimento (aiutato in questo dallo spassoso tastierista Elio Biffi), ma il resto del gruppo non è da meno, unendo queste caratteristiche ad una evidente e ben spesa preparazione tecnica.

Il concerto in questione rientra nel tour del loro ultimo lavoro “Fuori dall’hype”, il primo prodotto per Sony Music Italia, del quale ripropongono tutti i singoli estratti: “Verdura”, “Sashimi”, “Fuori dall’hype”, senza contare “Antartide”, “Freddie” e “Monopoli”, altri brani presenti nell’album.

Non possono mancare anche i loro maggiori successi precedenti (vedasi “Cancelleria”, “Irene”, “Gioventù Brucata”, “Tetris” ecc.), accompagnati da scenografie ad hoc e cantati con il pubblico ad una sola voce.

Questi ragazzi hanno saputo unire un format di spettacolo accattivante a musica non banale, creando un ponte tra il gusto dei giovanissimi e quello dei più “anziani”, trattando ironicamente tematiche accessibili quali le fatiche quotidiane, pregiudizi generazionali e amore, permeate da sottile sarcasmo politico e autobiografismo.

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Per la rubrica “Live Review” il nostro lettore Filippo de Orchi ci manda la sua recensione del concerto di Chris Stills.

Chris Stills Live@Big Mama – Roma 4 aprile 2019

Snoopy avrebbe iniziato così: “era una notte buia e tempestosa”. Ebbene sì, il 4 aprile qui a Roma pioveva in modo monotono e insistente, e per uscire dopo cena per andare al Big Mama a sentire Chris Stills bisognava avere davvero tanta voglia e coraggio.

Ho sempre nutrito una certa diffidenza delle capacità dei figli delle star internazionali di emulare i propri genitori e in questo caso parliamo di gente del calibro di Stephen Stills e Véronique Sanson. Tutti i dubbi vengono subito fugati appena varcato l’ingresso di questo storico locale. Ho la fortuna di incrociare Chris al bar e grazie a due miei amici (che saranno l’openig act della serata) entro nella dressing room per gli ultimi ritocchi alla scaletta e qui ho l’occasione di scambiare qualche parole e rubare qualche scatto informale a Chris.

Una serata di ottimo Rock’n’Roll

Lo accompagneranno Olivier Brossard al basso e Marco Rovinelli alla batteria:

L’inizio dello show è acustico ed intimo e da solo sul palco intona in sequenza “Sweet California” e “Just Like The Rain”; cambio di chitarra, entra in scena una Gibson Firebird e la musica vira immediatamente su suoni anni ’70; la sequenza dei brani è micidiale: “Hellfire Baby Jane”, “Calling Underground”, “In The Meantime”, “Lonely Nights”.

Tra un brano e l’altro Chris, oltre a presentare, interagisce e scherza con il pubblico.

A metà show rimane solo sul palco, si siede alla tastiera ed inizia a cantare in maniera molto ironica una divertente “Bohemian Rhapsody” con tutto il pubblico a fargli da coro; si continua con “In Love Again” e “Criminal Mind”.

Siamo ai saluti finali e pronti per il bis: salgono invitati sul palco da Stills anche i miei amici Francesco Lucarelli e Stefano Frollano, ambedue cantautori romani che avevano già avuto l’occasione di suonare con Crosby, Nash e …suo padre, a cantare una torrida e diluita “Ohio”.

Adesso tutto è finito ed è stata solo e soltanto una serata di buon – anzi ottimo – rock ‘n roll.

Uscendo dal locale la pioggia ha smesso di cadere, e si conclude così la splendida serata.

Buona notte!

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Per la rubrica “Live Review” il nostro lettore Filippo de Orchi ci manda la sua recensione del concerto del 26 marzo a Roma di John Mayall.

John Mayall – 85th Anniversary Tour Auditorium Parco della Musica 27 marzo 2019

Il leone di Manchester John Mayall, classe 1933, è tornato a ruggire sul palco dell’Auditorium Parco della Musica per presentare il suo nuovo lavoro intitolato “Nobody Told Me”. Ad accompagnarlo per il suo 85th Anniversary Tour ci sono tre valentissimi musicisti: Carolyn Wonderland alla sei corde, Greg Rzab e Jay Davenport che sono la potentissima sezione ritmica rispettivamente al basso e batteria.
Per oltre 60 anni, John Mayall è stato il pioniere della musica blues, guadagnandosi il titolo di The Godfather of British Blues. Questa sera ha dimostrato che non ha nessuna intenzione di riporre in soffitta chitarra, armonica, Hammond e tastiera.

Ricordiamo ai più distratti che “the Lord of Blues” ha scoperto e suonato con quanto di meglio ci sia stato nel panorama rock/blues: Eric Clapton, Mick Taylor, Larry Taylor, Peter Green e Jack Bruce. La scaletta è un misto di pezzi originali e cover più due brani cantati dalla voce potente e roca di Carolyn Wonderland.

Qui di seguito la setlist eseguita a Roma il 26 marzo:

• Nothing to Do With Love

• Why Did You Go Last Night

• Dirty Water

• You Don’t Love Me

• What Have I Done Wrong

• One Life To Live

• The Devil Must Be Laughin

• Distant Lonesome Train

• Early In The Mornin’

• So Many Roads

• Chicago Line

Encore:

• I Want All My Money

Lo show scorre serrato e torrido lasciando spazio agli assoli superlativi dei componenti della band. Siamo arrivati alla fine di questo concerto e come recita la canzone regina del blues “…we went to the crossroad, fell down on our knees”. Onorati di aver assistito a questa bellissima leggenda.

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Per la rubrica “Live Review” il nostro lettore Alessandro Peiretti ci ha inviato la sua recensione del concerto dei Punkreas.

A quasi un anno dall’ultima tappa torinese, lo storico quintetto punk di Milano ritorna all’Hiroshima per celebrare e raccontare il suo ultimo lavoro. Pubblicato per Garrincha Dischi, “Inequilibrio Instabile” nasce dalla sintesi di due EP pubblicati nel 2018, che raccontano cosa succeda alla politica, alla società e all’individuo singolo del ventunesimo secolo, servendosi sia di allegorie sia di immagini esplicite.

I Punkreas non mollano mai

Se apparentemente i fans più accaniti potrebbero ad un primo ascolto denunciare uno stemperamento dei toni, quest’impressione verrebbe duramente smentita da uno spettacolo come quello al quale ho assistito. I Punkreas non mollano mai: Cippa (voce) e Gagno (batteria) sempre sul pezzo con assoluta concentrazione, Paletta (basso), Noyse (chitarra) e Andrea (chitarra) trainano come i primi, concedendosi però salti e scorrazzate per il palco. In scaletta, tutto ciò che il pubblico vuole sentire: da “Il Vicino”, “Vulcani”, “Voglio Armarmi”, sino alle nuove uscite tratte da “Il Lato Ruvido” e “Inequilibrio Instabile” (“Marta”, “Fermati e Respira”, “U-Soli”, ad esempio).

Una performance senza sbavature, costante, precisa, diretta, che pondera abilmente “soste” e musica non-stop, consigliata per chi non teme pogo e messa in discussione dei propri valori. Sono da sottolineare una grande potenza sonora ed una stupefacente interpretazione dei nuovi brani che, tendendo ad un punk più moderato, hanno reso quei 120 minuti più interessanti e stimolanti di quanto non lo fossero prima della loro pubblicazione.

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Per la rubrica “Live Review” il nostro lettore Giampaolo Rigolin ci manda la sua recensione del concerto dei Larkin Poe

2019 l’anno delle donne rock! Nel mese di febbraio sono rimasto incantato dalla chitarra di Joanne Shaw Taylor, nei prossimi mesi avremo sui palchi italici Samantha Fish e Ana Popovic.

La sera del 29 marzo, sul palco dello Spazio teatro 89, sono rimasto elettrizzato dallo show delle LARKIN POE. Le sorelle Rebecca e Megan Lovell, accompagnate da Tarka Layman al basso e Kevin McGowan alla batteria, hanno infuocato il pubblico per 150 minuti filati. A scaldare la platea ci pensa il duo inglese FOREIGN AFFAIRS, che propone un folk con influenze country rock. L’impatto delle LARKIN POE è travolgente: giovani, carine e con una energia che lascia senza fiato.

Rebecca è molto loquace, sempre pronta a raccontarsi e intrattenere il pubblico, mentre la sorella  Megan è più silenziosa, sorridente e pronta a lanciarsi in assoli lancinanti con la slide. Un grande show in cui alternano loro composizioni, su tutte TROUBLE IN MIND, BLEACH BLONDE BOTTLE BLUES e CALIFORNIA KING e cover di classe come la rockeggiante BLACK BETTY, il blues di Blind Willie Johnson JOHN THE REVELATOR, per finire con COME ON MY KITCHEN di Robert Johnson.

Grande serata!

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Per la rubrica “Live Review” il nostro lettore Riccardo Iapucci ci manda la sua recensione del concerto di John Mayall.

THE SAME OLD BLUES, BUT I LIKE IT

Quando ho visto i cartelloni che annunciavano il Tour di John Mayall per il suo 85° compleanno mi sono venute in mente 2 cose… lo fa perché è a corto di soldi, oppure ha ancora voglia nonostante l’età e gli acciacchi di una vita non ordinaria di andare in giro a portare il suo “verbo” blues. Siccome sono un sognatore e per fortuna non sono il solo, ho optato per la seconda ipotesi e ho acquistato il biglietto con un misto di ammirazione e incredulità.

Quando sono arrivato al Tuscany Hall giusto in tempo per l’inizio del concerto, l’atmosfera era rilassata e il pubblico (composto – come mi aspettavo – di 50/60enni, ma anche con mia somma sorpresa e soddisfazione da persone molto più giovani) era in religioso silenzio in attesa delle prime note.

Quando Mayall è uscito capitanando un classico quartetto formato da batteria/basso/tastiere e chitarre l’applauso è stato caloroso. Il vecchio bluesman alla cui scuola si sono formati decine di musicisti fra cui molti importantissimi chitarristi del rock anni 60/70 (cito solo Eric Clapton, Peter Green e Mick Taylor), è partito subito al trotto eseguendo in rapida sequenza STREMLINE (vecchio brano dei BLUESBREAKERS), WHAT HAVE I DONE WRONG (dal suo ultimo lavoro NOBODY TOLD ME a cui hanno partecipato fra gli altri Joe Bonamassa, Todd Rundgren Alex Lifeson e Stevie Vandt Zandt) e IF I DON’T GET HOME, allungando il kilometraggio dei pezzi per permettere alla sua band di dimostrare il suo valore, ritagliandosi un posto di accompagnatore con le testiere e naturalmente cantando con la sua caratteristica voce stentorea e monocorde, comunque riconoscibilissima fra tante anche a distanza di anni.

Poi ha eseguito un classico di Mose Allison come PARCHMAN FARM guidato dalla sua amatissima e inseparabile armonica. Pescando dal suo vastissimo repertorio ha ripreso un brano da USA UNION, NATURE’S DISAPPEARING che tratta di temi ecologisti, dove ha dato libero sfogo alla band (Jay Davemport alla Batteria/Greg Rzab al Basso e Carolyn Wonderland alle chitarre), con una nota di merito per la chitarrista (una rossa occhialuta con qualche punto di contatto con Bonnie Raitt) che si è esibita in una sciolta tecnica Finger-Picking virata al rock e con buone qualità anche come cantante, segno che il fiuto per la scelta dei musicisti non si è affievolito con gli anni.

Con A DREAM ABOUT THE BLUES si è messa in evidenza anche la sezione ritmica, precisa dinamica e muscolare nei momenti giusti, la forza propulsiva che ogni band deve avere, con brevi ma significativi assoli dove il bassista ha pure accennato al riff di Smoke On The Water forse per un suo vezzo o per dare le coordinate dei sui gusti musicali. Stesso trattamento allungato quasi a farne delle piccole jam session anche per FLOODIN’ IN CALIFORNIA (cover di Albert King) e CONGO SQUARE di Sonny Landreth. Non può mancare in un concerto di John Mayall un brano dedicato al suo eroe di gioventù, quel J.B. Lenoir a cui il nostro si è sempre ispirato, in questo caso si tratta di MAMMA TALK TO YOUR DAUGHTER, e qui lo vediamo cantare veramente ispirato e quasi in modo devozionale, e anche la band sembra capire il momento lasciando al maestro il proscenio.

A questo punto la sala è calda e ogni brano che viene eseguito suscita applausi quasi meravigliati per la bravura dei solisti e di ammirazione per il vecchio John, che scherza con il pubblico che approva la scelta dei brani da eseguire e sembra divertirsi come ai tempi belli. C’è ancora da segnalare una WHY DID YOU GO LAST NIGHT di Clifton Chenier, e dopo quasi 2 ore di musica – e vorrei dire buona musica – eseguita con perizia e bravura la band saluta;  c’è da chiedersi come un uomo nato nel 1933 riesca ancora a stare su un palco anche se con passo incerto, ma suonando e cantando traendo la forza da chissà dove.

Dopo aver visto un concerto del genere, che devo dire mi sono goduto dal primo all’ultimo minuto, mi viene da augurare a quest’uomo che quando giungerà il momento di salutarci che lo possa fare dopo aver suonato la sua musica e quindi che vada felice e con il sorriso sulla bocca. Thank you John, e tanti auguri Nonno Blues!

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Per la rubrica “Live Review” il nostro lettore Giovanni Davoli ci manda la sua recensione.

Jerry Marotta, uno dei più importanti session men della storia della batteria rock, vanta un curriculum impressionante, tra Peter Gabriel, Stevie Nicks, Robbie Robertson, Hall & Oates, Robert Fripp, ecc..
Oggi vive a Woodstock, luogo storico per la musica sito a un paio d’ore di macchina da New York, e lì dirige il suo studio di registrazione, mentre contemporaneamente partecipa a vari progetti musicali. Uno dei più recenti lo vede impegnato accanto al cantautore newyorchese Flav Martin per una produzione dal sound folk-rock, costruita con canzoni soft e piene di atmosfera, suonate dal vivo con la chitarra acustica e spazzole sulla batteria.
Ad accompagnarli nel tour che li ha portati in quattro paesi europei, Michele Vitulli (aka Mitcha, bassista storico degli Articolo 31) che, al basso e al chapman stick, ha dovuto affrontare il non facile compito di riarrangiare i pezzi suonati in studio da Tony Levin nell’album “Soul Redemption”.

Marotta suona al servizio della musica

Non si sa se siano stata la presenza Michele o le origini italiane di Martin e Marott  a far concretizzare le tre tappe italiane.  Ma la scelta è parsa vincente dalla reazione del piccolo pubblico di appassionati che ha risposto a Roma. Introdotti da Francesco Rainero, che ha aperto lo spettacolo con un set acustico in cui la sua bella voce ha potuto brillare, i nostri ci hanno intrattenuto per una novantina di minuti, alternando musica a storie personali e familiari e collegandosi con semplicità e simpatia al pubblico.

Marotta, da grande session man, suona al servizio della musica, senza cercare di prendersi una scena che, con il suo nome, potrebbe appartenergli di diritto. Non ci sono stati assoli di batteria dunque, ma invece un accompagnamento preciso e mai fuori misura alle belle melodie cantate da Martin. Il tutto impreziosito da linee di basso e di stick mai scontate. Gran bella musica, eseguita magistralmente.

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Per la rubrica “Live Review” il nostro lettore Giovanni Davoli ci manda la sua recensione.

John Mayall è un professionista del blues. Lo è sempre stato, già dai tempi dei Bluesbreakers, come racconta Eric Clapton nella sua autobiografia. Ma a 85 anni, suscita grande ammirazione la tranquillità con cui calca il palco ancora con tour regolari, come sempre da ormai una sessantina di anni.
Nei 90 minuti di una scaletta che – stando a setlist.fm – da una sera all’altra muta almeno del 90%, l’unica concessione alla sua età che notiamo è una chitarra elettrica a corpo ridotto. Presumibilmente per non gravare sulla schiena. Ma la suona come sempre, al pari dell’armonica, del Roland e dell’Hammond.
Ma è solo lui, nella band, che si concede il lusso di cambiare strumento. Carolyn Wonderland rimane con la stessa Les Paul rossa in spalla, collegata ad un ampli Fender, e produce un suono che non può non compararsi a quello del mitico disco con Slowhand (sempre Les Paul rossa anche se lì era collegata ad un Marshall, come sanno bene gli storici). Carolyn è puro finger picking (o meglio “nail picking”): una delizia i suoi assoli, per suono, armonia e ritmo. Ma anche alla voce impressiona, ad esempio nel classico di Blind Willie Johnson “Nobody’s Fault but Mine”: non a caso Wikipedia riporta due premi per “Best Female Vocalist” nella sua carriera.
Ma a tutti i membri della band, completata dagli storici compagni di avventure Greg Rzab al basso e Jay Davenport alla batteria, viene concesso almeno un momento per impressionare. Senza giochi di luce, senza effetti speciali, senza fronzoli: solo con un po’ di vecchio blues, tanta maestria e voglia nel suonarlo ancora.

Il blues può essere una passione genuina e una professione seria

John Mayall, con la sua band, ci ha  emozionato: ha dimostrato che il blues può essere una passione genuina e una professione seria, fino all’ultimo. Fino a che gli sarà fisicamente consentito lui continuerà a suonare “quei vecchi blues” e anche quelli nuovi, che non smette di mettere insieme, come ha dimostrato la sua ultima validissima uscita discografica: “Nobody Told me”.

Rimane solo il rimpianto di non avere l’età per averlo visto in un fumoso club londinese (cui la sua musica ancora appartiene, più che a un impeccabile Auditorium), “ai tempi” quando “nessuno sapeva che il blues di Londra era nato”, come ci ha cantato questa sera nella sua “Blues for the Lost Days”. Con la stessa voce di allora, solo un po’ più profonda, oggi più simile agli eroi di tutta la sua vita. Adesso che anche lui è un eroe del blues.

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Sono le 20,30, parcheggio la macchina alle spalle di Via della Conciliazione e improvvisamente vedo uscire da una porta secondaria dell’Auditorium la sagoma di una marionetta con i capelli biondo platino: è Joe Jackson stretto in un cappotto scuro. Il nome Joe lo prenderà proprio dal pupazzo Joe 90 della serie televisiva in onda dal ’68-’69. Sono tentato di fermarlo ma poi penso sia meglio lasciarlo andare forse alla ricerca di un bar.

Entro in teatro oramai sono quasi le 21,20 e a questo punto penso che possa essersi perso per le strette vie di Borgo Pio. Improvvisamente la musica sfuma, calano le luci ed ecco entrare i tre musicisti che l’accompagnano, Teddy Kumpel alla chitarra, Doug Yowell alla batteria e Graham Maby al basso e poi il nostro sedersi dietro la sua doppia tastiera. Il Four Decade Tour, prima delle quattro date italiane, ha inizio spaziando con i suoi brani migliori: Look sharp! per gli anni 70, Night and day per gli 80, Laughter & Lust per i 90 e Rain per i Duemila.

Joe Jackson nel corso del suo show regala al pubblico un paio di cover come Rain dei Beatles, splendidamente arrangiata, e King of the World degli Steely Dan. La cavalcata sonora percorre quarant’anni del suo repertorio passando da Alchemy a Real men, da Stranger Than Fiction a Invisible man e poi c’è spazio per Wasted Time ed il rock reggae di Sunday Papers.

Si chiude questo bellissimo e coinvolgente concerto con la trascinante You Can’t Get What You Want dove Teddy Kumpel fa miracoli con la chitarra e conclude travolgendoci con il vortice rock Got The Time. Ma il momento topico del concerto che da solo vale il prezzo del biglietto è quando un roadie introduce sul palco la drum machine del 1969 utilizzata da Joe Jackson per registrare l’album Night and Day nel 1982. In segno di ammirazione e devozione i tre della band si inchinano ma come inizia il battito ritmico di quel reperto archeologico e del sintetizzatore per riprodurre fedelmente quel suono ecco partire Stepping Out.

Il pubblico è incollato alle poltrone estasiato e adesso si può tornare contenti a casa.

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