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Eppure il loro sgangherato debutto newyorchese di appena 17 minuti accese la miccia dell’intero fenomeno punk.

È impossibile indicare con precisione il Big Bang del punk, ma la prima apparizione in pubblico dei Ramones sul palco del CBGB a New York, nell’agosto del 1974, è un candidato illustre.
Il gruppo aveva iniziato a vedersi in giro pochi mesi prima: erano un trio che comprendeva il cantante/chitarrista Douglas Colvin, il chitarrista solista John Cummings e il batterista Jeffrey Hyman, seguiti dal produttore Tommy Erdelyi.
Dopo il debutto, Hyman cambiò posto e da dietro i tamburi passò al microfono cambiando nome in Joey, Colvin passò al basso e iniziò a farsi chiamare Dee Dee e la band adottò il nomignolo vagamente denigratorio di Ramones.
La rivoluzione era partita.

Tommy Ramone:
“I Ramones furono una mia idea. All’inizio erano un concept e io facevo da coordinatore artistico, ma la cosa funzionò molto meglio di quanto pensassi. Il primo giorno del liceo incontrai Johnny e grazie alla musica diventammo amici. Continuavamo a vederci, ma lui aveva smesso da anni di suonare. Lavorava nell’edilizia. Ma io continuavo a chiamarlo e a incoraggiarlo a tornare a suonare. Ero disgustato dalla scena musicale. E così mi dissi: ‘E se facessimo qualcosa di nuovo?’. Dissi a Johnny che avevo uno studio [i Performance Studios] e che volevo mettere assieme un gruppo. Joey a quel tempo si faceva chiamare Jeff Starship e cantava in un gruppo chiamato Sniper.”

Handsome Dick Manitoba (cantante dei Dictators):
“Joey era sempre in mezzo. Non potevi fare a meno di notarlo. Era molto alto, magrissimo e aveva un look assolutamente unico. “ Chi è quel tipo?”, chiedevo. “Quello? Ma è Jeff Starship”.

Dee Dee Ramone:
“Una sera vidi suonare gli Sniper: Joey era il cantante e fu grandioso. Sembrava proprio malato. Pensai che era perfetto, perché era così strano. E il modo in cui oscillava verso il microfono era davvero assurdo. Continuavo a chiedermi: “Ma come fa a stare in equilibrio?”. Tutti gli altri cantanti copiavano David Johansen (all’epoca frontman delle New York Dolls), che a sua volta copiava Mick Jagger, e io non lo sopportavo più. Joey invece era assolutamente unico.”

Joey Ramone:
“Mi vestivo seguendo un mio stile personale: avevo una specie di tuta nera da paracadutista, tipo seta, fatta con vari pezzi e ai fianchi portavo una di quelle catene fatte con le pallottole, e in più tenevo la lampo aperta. Poi dei guanti di pelle nera, lunghi fino al gomito, e una catena. Stivali rosa con tacchi di dodici centimetri, chiodo nero di pelle, occhiali da sole neri, capelli lunghi. Molto androgino, ma a quei tempi andava bene. Va anche detto che molti volevano ammazzarmi.”

Tommy Ramone:
“Fu Dee Dee a uscirsene col nome Ramones. Suonava come un cognome, e così iniziammo a usarlo come se fosse il nostro.”

Joey Ramone:
“All’epoca dei Silver Beatles, Paul McCartney prenotò una stanza in un albergo usando il nome Paul Ramon. Siccome Dee era un fan sfegatato di McCartney, assunse l’identità di Dee Dee Ramone. E quando io mi unii a Dee Dee, decidemmo di chiamare il gruppo i Ramones.”

Monte A. Melnick (comproprietario dei Performance Studios e futuro road manager dei Ramones):
“Per circa un anno, la gente li credette un gruppo messicano formato da quattro fratelli.”

Joey Ramone:
“Quando sono entrato nel gruppo, mi sono portato dietro due canzoni che avevo già scritto, ‘I Don’t Care e Here Today’, ‘Gone Tomorrow’.”

Tommy Ramone:
“Cercammo di incanalare l’energia in qualcosa di creativo. Il fatto che fossimo così in gamba nello scrivere canzoni fu un bel vantaggio.”

Monte A. Melnick:
“La prima volta che vidi i Ramones… lascia perdere. Non potevi proprio ascoltarli. Francamente non gli prestai molta attenzione. Erano molto estremi, molto grezzi. Gli ci vollero alcuni mesi per iniziare a migliorare.”

Johnny Ramone:
“La prima volta che ci ritrovammo in studio, cercammo di fare canzoni di altri gruppi, ma non ci riuscimmo, perché avevamo appena iniziato a suonare. E così, a partire dalla session successiva, decidemmo di scrivercele da soli. Il primo giorno scrivemmo ‘I Don’t Wanna Walk Around With You’.”

Monte A. Melnick:
“Rappresentavano una musica dei primi anni Settanta: gli spettacoli colossali, gli eccessi, i lunghissimi assoli di chitarra. Facevano ciò che erano in grado di fare e semplificarono ogni cosa: canzoni brevi, suonate molto veloce, niente assoli di batteria, niente assoli di chitarra. Svilupparono il genere, fu tutto calcolato.”

Joey Ramone:
“Quando iniziammo a scrivere, le canzoni riguardavano le nostre frustrazioni e i nostri sentimenti di alienazione, di isolamento. Il rock’n’roll dell’epoca consisteva in un miscuglio di Pink Floyd e ELP, e tutta quella robaccia. Così, fondamentalmente, quello che facemmo noi fu di andare alla radice, scomporlo e ricomporlo, e rimetterci dentro l’eccitazione, il divertimento, lo spirito, l’energia grezza, la pura emozione, in sintesi l’attitudine giusta.”

Monte A Melnick:
“Avevamo uno spazio al Performance. C’era un piccolo palco, un impianto luci e le attrezzature. I gruppi venivano e facevano volantinaggio nella zona, invitando un pubblico di amici e appassionati per rimediare qualche soldo, e naturalmente tentavano di convincere quelli delle case discografiche a venire a vederli. I Ramones lo fecero parecchie volte, e io mi occupavo delle luci e del suono.”

Johnny Ramone:
“Il 30 marzo 1974 invitammo i nostri amici a vederci: il risultato fu che gli facemmo schifo e non furono più nostri amici. Non eravamo pronti a suonare davanti a un pubblico.”

Monte A. Melnick:
“Dee Dee non riusciva a suonare il basso e contemporaneamente a cantare. E Tommy sapeva che Joey aveva una bella voce, così lo tirò fuori da dietro la batteria.”

Tommy Ramone:
“Decisi di toglierlo da lì dietro e metterlo davanti al pubblico. Pensai che sarebbe stato un cantante assolutamente unico, perché non c’era nessun altro come lui. Ma questo significava anche che ci serviva un nuovo batterista.”

Joey Ramone:
“Trovammo un altro batterista, ma era drogato fino alle orecchie. Così continuammo con i provini. Alla fine era sempre Tommy a dire al nuovo batterista come avrebbe dovuto suonare.”

Monte A. Melnick:
“Nessuno era in grado di suonare la batteria così come serviva a loro. Tommy era un chitarrista, ma cercava di mostrare agli altri batteristi cosa fare. Solo che così facendo, alla fine, fu lui a definire lo stile Ramones per la batteria. A un certo punto gli altri gli dissero: “Non è più semplice se suoni tu?”. E così fece.”

Chris Stein (chitarrista dei Blondie):
“Introdussi i Ramones al CBGB perché avevo conosciuto Tommy quando suonava al Mercer Arts Centre con una banda chiamata Butch. Tommy un giorno si avvicinò e mi disse: “So che suonate in un bar strano. Come si chiama?”. E io risposi: “CBGB”.”

Tommy Ramone:
“Non avevamo ancora il look Ramones, tutto jeans e giubbotti di pelle – quello arrivò poco dopo. Dee Dee e io assomigliavamo già ai Ramones, ma Johnny e Joey erano ancora parecchio sbrilluccicosi.”

Dee Dee Ramone:
“Joey usava vestiti di gomma, John preferiva la plastica nera e i pantaloni argentati. Eravamo grandi!”

Lee Black Childers:
“Il pubblico era composto da sei persone. Non scherzo. Sei. Poi i Ramones salirono sul palco e io mi dissi: “Oh… Mio… Dio!”.”

Tommy Ramone:
“Eravamo come i Beatles sotto anfetamina. O come, se magari eri un lettore di Superman, la versione Bizarro dei Beatles (nei fumetti Bizarro è la versione di Superman, che fa tutto il contrario dell’Uomo d’Acciaio)”

Tommy Ramone:
“Fu eccitante. Una serata soddisfacente. Nel programma c’era anche un gruppo da San Francisco, i Cockettes si chiamavano, una specie di gruppo drag, per cui era un programma molto vario. Ma il posto era vuoto. C’erano tre o quattro persone, e il barista. Litigare sul palco faceva parte dell’aggressività della musica. Era per divertirsi. Magari avevamo attaccato la canzone sbagliata, o discutevamo su quale pezzo suonare. Faceva parte della scena. Dopo i litigi suonavamo meglio. A Hilly piacemmo, e ci richiamò. Finimmo col diventare delle presenze abbastanza regolari. Non ricordo bene, ma probabilmente per quello spettacolo non fummo nemmeno pagati.”

Joey Ramone:
“Iniziammo a suonare al CBGB una volta alla settimana, poi due. Suonavamo di continuo, e alla fine un sacco di altri gruppi iniziarono a imitarci. Nel 1975 ci fu un Summer Rock Festival e l’attrazione di punta della prima serata fummo noi. Arrivò un sacco di stampa, e da lì in poi le cose iniziarono a ingranare.”

Tommy Ramone:
“Il CBGB fu molto importante per noi. Fummo davvero fortunati ad avere un posto come quello, perché non avremmo potuto suonare da nessun’altra parte. Era perfetto. Era quello adatto a noi. Entro un anno nacque un’intera scena musicale.”

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Eppure per registrare il tuo ultimo album, no better than this,
hai usato luoghi mitici come i Sun Studios di Memphis e la camera d’albergo di San Antonio,
Texas, dove Robert Johnson incise le sue canzoni.
Non c’era in questa scelta l’intenzione di agganciarti a qualcosa di eterno?
Mai pensata una cosa del genere.
L’idea di usare quelle location è molto più pragmatica.
Abito lì vicino e mi sono detto: non sarebbe bello andarci a suonare?
Ti dirò che in ciascuno di questi luoghi c’era davvero un’atmosfera unica.
Particolarmente ai Sun Studios, alle tre del mattino, quando il resto del mondo dorme in silenzio.
Tu esci fuori e non c’è neanche un rumore, neppure un’auto che passa.
Solo zanzare. Una cosa fantastica.

Che ne pensi dello stato in cui versa il rock’n’roll oggi?
Penso che il rock’n’roll sia finito da un pezzo.
Non ci saranno più dei nuovi Beatles, un nuovo Dylan o un nuovo Johnny Cash.
Nessuna rivoluzione paragonabile al Punk o al Grunge verranno più a salvare il music business.
È stato fatto tutto.
Le case discografiche hanno deciso di voltare le spalle agli artisti che hanno una storia,
come me ad esempio, e si sono messe a cercare ragazzotte in vestiti attillati.
Il che va bene.
Quelli come me sono diventati trofei da esporre su uno scaffale:
forse eravamo diventati troppo costosi da gestire.
Meglio prendere queste ragazzine di sedici o diciassette anni,
con i genitori che gli fanno da manager, e fregarle come si faceva con gli artisti neri
negli anni Venti o Trenta.
E poi c’è Internet, che io considero l’invenzione più pericolosa dopo la bomba
atomica. Internet ha autorizzato la gente a rubare la musica.

Così, ti consideri uno degli ultimi superstiti di un mondo finito?
È così. Perfino all’interno della mia generazione.
Quando ho iniziato, eravamo un sacco.
Adesso siamo rimasti in pochissimi, Tom Petty, Elvis Costello, Springsteen, io.

C’è la diffusa convinzione che il rock’n’roll sia una faccenda per giovani, eppure
negli ultimi tempi la musica più stimolante arriva da artisti della tua generazione.
Negli anni Sessanta e Settanta la gente era convinta che non sarebbe
mai stata migliore di com’era allora.
Io invece non ho nessun problema nell’essere migliore di quanto non fossi da giovane,
perché allora ero veramente terribile.
Arrivai a New York dall’Indiana, per frequentare un liceo artistico, e avevo con me un demotape. Ero un cantante da locali, cantavo qualunque cosa fosse popolare in città.
Non mi era mai balenata per la mente l’idea che avrei potuto vivere di musica,
tantomeno incidere dei dischi.
Cantavo perché ero capace di farlo e perché c’erano le ragazze.
L’idea di pianificare ciò che avrei fatto della mia vita fino a oggi non mi sfiorava neppure,
anzi probabilmente neanche pensavo che avrei vissuto fino alla mia età.
Quando mi offrirono un contratto discografico, pensai:
“Volete davvero che io scriva delle canzoni?”.
In tutti i miei primi dischi praticamente ho imparato a scrivere canzoni.
E cazzo, ci sono riuscito.
Non sarò bravo quanto Springsteen o Petty, ma sono meglio di tanti altri.

All’inizio il tuo soprannome era Little Bastard. Era un nomignolo appropriato per te?
Negli anni Ottanta il mio produttore era Don Gehman.
In realtà il suo vero compito era evitare che facessi delle cazzate:
a quell’epoca ero fuori di testa e parecchio incazzato.
Ce l’avevo sempre con qualcuno e non facevo che fare a botte e imprecare,
non ero una persona piacevole.
Quindi sostanzialmente il suo compito era dirmi: “John, stai esagerando”.

Perché tutta questa rabbia?
Credo sia il mio dna. Sono cresciuto in mezzo a uomini incazzati.
Mio padre, mio nonno, i miei zii, erano tutti così.
Se sbagliavi con loro, la pagavi. Ti borbottavano qualcosa tra i denti e ti colpivano.
Non si perdeva tempo in chiacchiere, era una roba tipo:
“Chiudi quella cazzo di bocca!”, e subito partiva il cazzotto.
L’idea che mi ero fatto è che avrei provato a essere un uomo migliore,
poi intorno ai trent’anni mi accorsi che non lo ero diventato per niente.
Adesso però non faccio più quel genere di cose, non tanto almeno.
Sono più un vecchio irritabile.

C’è stato un momento della tua vita nel quale ti sei sentito indistruttibile?
Certo. Ancora oggi a volte mi capita di pensarlo.
Ma nel periodo a cavallo fra Scarecrow (1985) e Big Daddy (1989) veramente ho pensato
di essere invulnerabile. Poi ho avuto un infarto.
Cazzo, quella cosa mi ha lasciato di sasso.
Per i due o tre anni che seguirono, non ho fatto altro che starmene a casa a crescere i miei due figli. E quelli sono stati i migliori anni di tutta la mia vita.

Cosa c’è nel tuo futuro?
M’interessano un sacco di cose.
Penso che questo sia il vero problema di un sacco di persone – il fatto che perdono interesse
verso la vita.
Più invecchio, meno ho paura della morte. Andremo da qualche parte, dopo?
Non lo so e sinceramente non mi interessa saperlo. Se c’è un’altra vita dopo questa, lo scoprirò.
Se non c’è, va bene uguale, ho fatto una bella corsa.

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Qual è stata la prima pop star che hai incontrato?
Quando studiavamo al Politecnico di Regent Street (insieme ai futuri Pink Floyd Roger Waters e Rick Wright), andavamo ad ascoltare lo Spencer Davis Group, e lì conobbi il loro cantante,
Steve Winwood.

Quanto a voi Pink Foyd interessava essere famosi?
Eravate attratti dall’idea di essere inseguiti da sciami di ragazzine adoranti,
o pensavate solo alla musica?
Non abbiamo mai pensato solo alla musica. Tutti noi volevamo essere delle pop star.
O forse pensavamo di volerlo.
Quando iniziammo, eravamo una band rhythm&blues, e si trattava di piacere a un pubblico prevalentemente maschile.
Alla stampa piace pensare che il mondo del rock’n’roll sia tutto ragazzine in delirio,
ma in realtà non è mai stato così:
c’erano solo capelloni che andavano in giro in impermeabile e pantaloni a zampa di elefante.

Come ti sei sentito quando facesti la tua prima apparizione a Top of the Pops,
nell’estate del 1967?
Probabilmente, il giorno dopo mi svegliai con l’idea che da allora in poi tutto sarebbe stato diverso. Anche tu lo avresti fatto, poi però andai a casa e non successe nulla:
le strade non si erano di colpo riempite di gente che gridava il mio nome.
Ancora oggi, covo la segreta speranza di svegliarmi e scoprire di essere diventato
una famosa pop star. Purtroppo, non accade mai.

Il disinteresse di Syd Barrett per la celebrità mutò in qualche modo l’attitudine del resto dei Pink Floyd?
Ci polarizzò. Noi desideravamo essere pop star. Lui no.
Non riuscivamo a capire come mai tutti noi condividessimo questo obiettivo e lui invece no.

C’è stato un momento della carriera dei Pink Floyd in cui la gente iniziò a riconoscervi?
No, le cose non stanno così.
C’erano alcune nostre fotografie sulle copertine di qualche disco, quindi c’è sempre stato qualcuno che vedendoci ci riconosceva.
Comunque, è più facile essere riconosciuti quando si sta insieme agli altri, che quando si sta da soli.

The dark side of the moon è senza dubbio il disco più famoso dei Pink Floyd.
Qual è invece il meno conosciuto?
Il secondo album, a saucerful of secrets.
Che però conteneva un mucchio di idee che ci aiutarono a capire in che direzione esattamente stavamo andando.

Hai mai desiderato di essere più famoso per il tuo modo di suonare?
No, non sono quel tipo di persona convinta che meriterebbe di essere votato in un referendum sui grandi strumentisti.
Sono consapevole di possedere un feeling e uno stile che funzionano molto bene per noi.
Ma non ho mai tenuto lezioni in una master class, né ho intenzione di farlo adesso.
Quando me lo propongono, di solito rido nervosamente e dico di avere male al polso.

Il fatto di essere un Pink Floyd ti ha aiutato nella tua attività parallela di pilota sportivo?
Sì.
Ovviamente in quell’ambiente si sa chi sono, né provo imbarazzo nello sfruttare questa cosa al fine di ottenere sponsorizzazioni o finanziamenti per una buona causa.
Per iniziative come Children in Need sono felice di essere il Nick Mason dei Pink Floyd,
o il Nick Mason proprietario di tutte quelle vecchie buffe automobili.

Ricordi la prima volta che firmasti un autografo?
È successo abbastanza presto, probabilmente lo diedi a qualcuno che non sapeva neanche chi fossimo.
Per lui eravamo solamente la quarta band sul cartellone degli Amen Corner, o qualcosa del genere.

E l’ultima?
Ieri, a Goodwood.
Non rifiuto mai un autografo, come invece certe volte fa David [Gilmour].
Ovviamente, quando devo farne troppi esito un po’,
e tendo a firmare in modo un po’ approssimativo.

Chi è il più famoso componente dei Pink Floyd?
[dopo una lunga riflessione] Quello che da tempo non è più nella band.
David è famoso per il suo modo di suonare la chitarra ed è considerato fra i top player.
Roger è visto come un grande autore, mentre Rick è quello più sottovalutato, a
pprezzato assai più ora di quando stava con noi.
Quanto a me, sono assolutamente il Pink Floyd meno conosciuto.
Ma, senza dubbio, sono il più modesto.

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Artista: Earth
Titolo: Primitive And Deadly
Etichetta: SOUTHERN LORD
Autore: Renato Massaccesi

Desert sessions number…
Da una band che ha “rubato” il nome alla prima incarnazione dei Black Sabbath, sappiamo già cosa aspettarci.
O, perlomeno, sappiamo che durante l’ascolto del decimo disco di questo gruppo storico, il doom degli antenati verrà trasportato in altri anni e in tutt’altra parte del pianeta. La band arriva da Seattle ma non è caduta nei tentacoli del grunge, piuttosto sembrerebbe uscita da qualche meandro del Gran Canyon, portandosi appresso quell’atmosfera che alimentava le compiante DESERT SESSIONS di Josh Homme (ve le ricordate?). Tra l’altro, come quelle, anche PRIMITIVE AND DEADLY è nato al Rancho De La Luna (il leggendario studio nel deserto del Joshua Tree) e, visto che c’erano, si sono fatti prestare anche Mark Lanegan, che ormai sta un po’ dappertutto. Cinque pezzi chilometrici, prevalentemente strumentali, dove, tra il doom e l’immancabile stoner, sembra anche di sentire una rivisitazione dei tardi Doors, con la Gibson di Manzarek sostituita da drones di chitarre monolitiche (There Is A Serpent Coming). Tra rettili vari, un signor disco.

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Artista: Blackberry Smoke
Titolo: Leave A Scar-Live In North Carolina
Etichetta: EARACHE
Autore: Enzo Curelli

Alla vecchia maniera
Non sarà certo AT FILLMORE EAST e nemmeno ONE MORE FROM THE ROAD, ma questo doppio album live della southern band di Atlanta (anche in versione Dvd per chi vuole tenere gli occhi impegnati), è ciò che più si avvicina, oggi, alle atmosfere Seventies di dischi epocali come quelli, monumenti insuperati di un modo di suonare e intendere il rock che hanno fatto scuola e tanti discepoli. Se le vecchie band ancora in piedi, anche grazie a cerotti e comparse, corrono dietro al moderno pur di tenersi a galla, le nuove generazioni giocano sul sicuro, risultando spesso più credibili e convincenti. La dura gavetta fatta aprendo per mostri sacri come ZZ Top, Lynyrd Skynyrd e Marshall Tucker Band trova la giusta e meritata ribalta in queste 22 canzoni (con l’inedito Payback’s A Bitch), che esaltano i tre lavori in studio prodotti fino a oggi, con l’ultima, The Whippoorwill, a testimoniarne la maturità acquisita. Ingredienti vecchi ma sempre gustosi: trascinanti e alcolici honky tonk, country rock, epiche rincorse hard blues.
La migliore band sudista degli anni 2000?
7/10

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L’album della maturità
Il quarto lavoro in studio del progetto che vede coinvolti il polistrumentista Mark Peters, il produttore ambient Ulrich Schnauss e il batterista e pianista Matthew Linley, si candida come una delle uscite dell’anno in casa Kscope. L’etichetta di post progressive sound ha puntato sul trio fin dal secondo album, THREE FACT FADER del 2009, e ha visto giusto, perché il mix tra elettronica, pop e psichedelia è superbo e anche l’aspetto lirico è curato nei dettagli. Il coraggioso approccio compositivo è difatti accompagnato da tematiche oscure, che riportano alla mente i concept prog degli anni Settanta e regalano fascino all’intero apparato strumentale. It Rings So True, Searched For Answers e la title-track i passaggi imperdibili di un album ipnotico e sensuale, che cresce di ascolto in ascolto e che, a livello di arrangiamenti,
non teme concorrenti.
8/10

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Joe imbocca la strada giusta, e non si distrae
Il ragazzaccio di Utica è tornato. Questa è una non notizia, visto il ritmo seriale con cui Joe stampa dischi (o li mette a disposizione nei formati più svariati). Diciamo subito che DIFFERENT SHADES OF BLUE è il tipico Bonamassa-record, composto ed eseguito bene, senza passaggi a vuoto e con l’ormai consolidata capacità di alternare brani lenti e blues, ad altri più scatenati, passaggi di bel canto a cavalcate strumentali. Una ricetta che il chitarrista ha oramai collaudato, complice una vena compositiva prolifica che, giova ricordarlo, negli ultimi anni ha avuto un’indiscutibile impennata qualitativa. La prima perla del disco è Oh Beautiful!, un blues con tipica apertura lenta, pronto a deflagrare non appena l’ampli è satollo di silenzio. Bonamassa si dimostra a proprio agio col canto, oltre che preciso e decisamente ispirato negli assoli. Subito dopo una prima piccola svolta, Love Ain’t A Love Song, dove il registro è decisamente più funky: esperimento interessante, anche se non del tutto inedito, che riconferma Joe come un artista decisamente più onnivoro di quanto ci eravamo abituati a considerarlo. Quel che ci piace di più del “nuovo Bonamassa” è però l’attitudine con cui si dedica alla composizione e in particolare agli assoli. Ci sembra infatti che Joe non si contenti più di suonare “alla BB King”, o di ricalcare i suoi maestri, Jimmy Page su tutti. C’è un qualcosa di più immediato e più fresco nelle note che provengono dalla sua chitarra. Sensazioni di cui si ha precisa percezione in Loving On The Moon, dove i 4/4 non suonano stinti e ingabbiati, il riff è impreziosito dai fiati in controtempo, l’assolo è ricercato, ma non logorato da sovraincisioni. Si fa così strada la sensazione che il vero salto di qualità Joe l’abbia fatto in termini di naturalezza e immediatezza. Il bluesaccio sporco di Heartache Follows Wherever I Go ne è ulteriore dimostrazione. Qui il chitarrista crea melodia con semplicità e, se è vero che oramai nel blues c’è poco da inventare, accostando con gusto materiali di provenienza diversa. Ad esempio in Heartache… cita vagamente Hendrix, abbozzando col crybaby, poi il timbro di chitarra vira decisamente verso l’hard rock. Joe Bonamassa non è un genio innovatore della chitarra o un nuovo, messianico guitar hero; più semplicemente, DIFFERENT SHADES OF BLUE ci parla di un artista che conosce a menadito il blues, sa molto bene da dove viene e prova a immaginare in quale direzione andrà. Non è roba da poco. Non è roba da tutti.
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Garanzia
Ho ancora nelle orecchie il ronzio fastidioso di molti fan all’uscita del primo, unico [no, suonò anche all’Auditorium di Roma, ndr] e forse ultimo, concerto dell’ex “giaguaro” dell’Indiana in Italia, nel 2011, a Vigevano: concerto breve, si lamentarono in tanti, concerto intenso, risposero altri. Avevano ragione tutti. Quando si tratta di dischi, i minuti sono messi da parte (15 tracce) e a prevalere è solo l’intensità, cui non sfugge questo live registrato da Mellencamp con la sua band (Andy York su tutti) nel luglio del 2003, alla Town Hall di New York, davanti a 1500 spettatori.
Il programma prevede l’intera track-list di TROUBLE NO MORE, riuscito disco di sole cover uscito un mese prima di quello show e divenuto, con il senno di poi, vero e proprio avvio della sua ultima fase musicale, in corso ancora oggi. Uno scavo nei suoni americani più rootsy, le sue principali influenze: il primordiale blues di Robert Johnson e Willie Dixon, il folk di Woody Guthrie, riuscite e attualizzate riletture (To Washington), omaggi (Lucinda Williams), più l’aggiunta di alcune hit autografe e Highway 61 Revisited di Dylan, il tutto suonato con il contagioso fervore rock di sempre.
7/10

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La grande tradizione hard blues!
Un esordio eccellente quello del quintetto multietnico nato al Brighton Institute Of Modern Music. La loro missione è recuperare il fervore elettrico di Who, Zeppelin, Humble Pie, Free e AC/DC, in un momento storico in cui la scena britannica non riesce a produrre alcunché di interessante e innovativo. In bilico tra hard rock e blues, l’ascoltatore viene trascinato dalla chitarra di Olie Trethewey, che alterna assoli di classe e passaggi estremamente melodici, e colpito dalla personalità vocale della lettone Liva Steinberga.
La sua voce trasmette energia e garantisce l’efficacia di tracce quali Ain’t Got Know e Sacrifice, che spiccano in una scaletta priva di filler.
Molto dipenderà da quanto si dimostreranno validi dal vivo, ma la sensazione è che sentiremo parlare presto di loro.
7/10

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Ancora qualcosa da dire
Dopo l’uscita di COBBLESTONE STREET, album intimista e quasi Interamente acustico, l’ex voce dei White Lion ha dato seguito alla collaborazione col produttore Søren Andersen (già chitarrista di Glenn Hughes) e registrato dieci tracce che rivelano la sua passione per artisti come Bob Dylan, Neil Young e Bruce Springsteen. Trust In Yourself e Down South spiccano in una scaletta onesta, nella quale l’elettricità e l’aggressività vengono spesso messe da parte, senza però scadere in melodie di basso profilo. È evidente che la carriera solista di Mike ha ormai preso una svolta diversa, anche se dubito che saranno in molti a rimpiangere the rock’n’roll circuz e STAND YOUR GROUND. La nostalgia semmai è per i tempi dei troppo sottovalutati Freak Of Nature, ma MUSEUM si lascia comunque ascoltare.
6/10

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Vent’anni, tra country e punk
Nuovo album e debutto con la Ato per gli Old 97’s del cantante e chitarrista Rhett Miller. La band compie vent’anni e li celebra con un album ruggente, denso, energico, una sorta di concept sulle vicissitudini e le disavventure dell’essere musicisti.
MOST MESSED UP è una fusione di country, folk e punk,
in cui la scrittura è a fuoco e l’attitudine della band catturata come in una registrazione live.
Grintosi numeri alla Pogues (Nashville) si alternano alle più garage Guadalajara e Intervention, alla più british The Disconnect, alla ballata (cosa, altrimenti?) This Is The Ballad. Registrato a Austin e prodotto da Salim Nourallah, l’album vede la partecipazione di Tommy Stinson (Replacements) e Jon Rauhouse (Neko Case). Dodici tracce muscolari, trascinanti, che non lasciano neanche il tempo di respirare. Un batter d’occhio e vi ritroverete alla fine, con Rhett Miller che vi saluta spiegando che lui è “il più sbandato bastardo in città”.
7/10

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Personalità e feeling
Disco gustoso questo INFLUENCE, il sesto nel percorso in crescere di Sayce. È sufficiente un primo distratto ascolto, difatti, per accorgersi di essere in presenza di un lavoro pregiato: tredici tracce in cui si concentra un rock blues indiavolato, che ha in chitarristi come Hendrix e Stevie Ray Vaughan il proprio riferimento, ma che si completa con un’attitudine funky/soul.
Ci intrigano Out Of My Mind e I’m Going Home, vere immersioni in un rock duro, ben suonato, genuino, mentre Sayce convince meno quando si misura con i lentoni: tutta l’immediatezza prima magnificata, risulta ora sacrificata. Né è sufficiente un assolo confezionato con buon feeling per evitare una pericolosa sensazione di noia. Anche perché, in quei momenti, Sayce fa venire in mente Lenny Kravitz… con le debite proporzioni. Proprio come Lenny, se nei pezzi meglio riusciti pare un concentrato di carisma e testosterone, in quelli più “scarichi” rischia di suonare melenso o evanescente. Nel
complesso, comunque, un buon lavoro e una bella sorpresa. Phil, ti teniamo d’occhio!
7/10

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