Quentin Tarantino, ha pubblicato la sua personale versione della playlist di Spotify "Film & TV Favorites" raccogliendo le canzoni che preferisce dei suoi film: Kill Bill, Pulp Fiction, The Hateful Eight e tanti altri... e arricchendola con un podcast in cui Tarantino ne racconta il processo di creazione.

Nella playlist, che dura ben 4 ore, si possono ascoltare più di 70 brani: dalla famosa versione di “Bang Bang” di Nancy Sinatra che accompagna le scene di Kill Bill:Volume 1 a “You Never Can Tell” di Chuck Berry sulle cui note ballano il twist John Travolta e Uma Thurman in Pulp Fiction fino ad “Apple Blossom” degli White Stripes tratta da The Hateful Eight.

In tutto ciò, gioca un ruolo fondamentale Mary Ramos, ovvero colui che cura le colonne sonore dei suoi film, che ha dichiarato l’importanza della musica per il famoso regista:

Tutte le canzoni scelte, sono filtrate attraverso le sue esperienze. Passano attraverso ciò che l’ha impressionato in un certo momento della sua vita. La musica è la sua ispirazione mentre scrive.

Com’è nata l’idea di questa collaborazione?
P: Io e Corrado siamo amici da molto tempo però i nostri mondi musicali sono un po' distanti e quindi non avevamo mai pensato a un progetto del genere. Un giorno Corrado ha preso un pezzo che avevo scritto per Sérgio Assad lo ha dissemblato e ha creato un nuovo lavoro aggiungendo un arrangiamento e un testo: da qui è nata The knife of love. Nel momento in cui me l'ha fatta sentire sono rimasto talmente colpito che abbiamo cominciato a pensare di creare altri pezzi. Dopo quattro anni stiamo finalmente uscendo con questo progetto.

FOR THE BEAUTY OF THIS WICKED WORLD è un album ibrido, in cui tu e Peppino avete sperimentato una miriade di generi: suoni ambient, classici, elettronica, progressive, jazz… Cosa ti ha insegnato questo album dal punto di vista strumentale?
C: Il concetto basilare che mi viene in mente in questo momento è “l’approccio minimalista” all’album come chitarrista. Ho imparato a dosare e a cercare il nuovo ruolo della chitarra in un contesto più contemporaneo, ovvero come la chitarra va ad inserirsi nella musica moderna piuttosto che ricalcare, come al solito, dei modelli di sessant’anni fa che sono ormai vecchi e stantii.

Tra tutti gli stili a cui vi siete approcciati durante la realizzazione dell’album ce n’è stato uno in particolare per il quale avete fatto più fatica?
P: Da un punto di vista tecnico il pezzo più difficile per me è stato 3-2-1... A tribute... perché è un pezzo difficile come esecuzione sullo strumento. È stato interessante anche il lavoro fatto su Ice Sculptures, un pezzo molto ritmico in cui Corrado ha inserito una sezione di archi a spezzassero una tensione, una monotonia.

Cos'hai imparato da Peppino D'Agostino e cosa pensi lui abbia imparato da te?
C: Ciò che ho imparato da Peppino è aprirmi di più alle melodie. Lui porta dietro di sé questa grande tradizione melodica italiana, come Ennio Morricone e Nino Rota, che lo contraddistingue dagli altri grandi chitarristi acustici americani ed è ciò che secondo me gli ha dato la popolarità che ha qui in America. Per quanto riguarda quello che Peppino ha imparato da me non te lo so dire, dovremmo chiederlo a lui…

Cos’hai imparato da Corrado Rustici e cosa pensi abbia imparato lui da te?
P: Io sono uno di quelli che quando fa un disco si concentra molto sull'aspetto istintivo, quindi direi che da lui ho imparato ad avere più cura per i dettagli e a cercare di approssimarmi il più possibile alla perfezione per quanto riguarda l'esecuzione, la registrazione e l'arrangiamento. Cos'ha imparato lui da me non te lo so dire, dovresti chiederlo a lui...

Appunto perché non c'è un filo melodico, cosa pensi accomuni i pezzi dell'album?
C: In effetti FOR THE BEAUTY OF THIS WICKED WORLD non è un concept album, bensì un ibrido di mondi: quello di Peppino e il mio. L’unico filo conduttore che abbiamo cercato di seguire è stato quello di non fare i fighi sulla chitarra, abbiamo limitato i virtuosismi e abbiamo creato della musica per quello che ci poteva venire fuori.Volevamo fare della musica che potesse dare dei momenti tipo colonna sonora alle persone che sono all’ascolto.

FOR THE BEAUTY OF THIS WICKED WORLD può quindi essere considerato un “minestrone music”?
P: Puoi chiamare anche questo disco minestrone (ride), però un minestrone diverso perché non è solo il mio ma anche quello di Corrado Rustici. Spero che sia buono da mangiare!

Questo non è un album solo strumentale, infatti al suo interno si trovano due brani cantati che contengono messaggi molto forti e anche parecchio critici: The knife of love e For the beauty of this wicked world (brano che dà il titolo all’album), parlacene...
C: l testi di queste due canzoni sono delle mie considerazioni personali. The knife of love parla di come siamo continuamente testimoni di avvenimenti sconvolgenti, ma nonostante tutte le cose assurde che vediamo ogni giorno torniamo sempre a fare ciò che stavamo facendo prima, dimenticandoci della tragedia che è successa. Siamo inoltre soliti attribuire la colpa di queste ferite sociali a un'entità divina che io chiamo “knife of love”, ovvero un coltello d’amore che ammazza secondo la nostra visione e i nostri concetti. Per quanto riguarda For the beauty of this wicked world, brano che dà il titolo all’album, è un testo che nasce da una specie di visione che ho avuto: mi sono immedesimato nella vita di una donna profuga che si era imbarcata su questi barconi per cercare di avere una vita migliore, andando in un posto più tollerante in cui donne possono essere considerate come esseri umani, dove tutti possiamo avere la chance di vivere… e poi non ce l’ha fatta. Non sono mai solito fare denunce sociali o politiche perché non credo a quelle cose, quindi non è inteso in quel modo. È più che altro una mia interpretazione di ciò che entra nel mio universo privato e che in questo caso non mi fa star bene: non credo che sia una cosa giusta che dopo più di diecimila anni l’esistenza dell’umanità sia ancora in queste condizioni.

“Young artists should upset the previous generation and clear the decks” (“I giovani artisti dovrebbero sconvolgere la generazione precedente e fare piazza pulita”): così si è espress Ian Gillan, frontman dei Deep Purple in un'intervista concessa al magazine inglese New Musical Express.

Ritchie Blackmore, Ian Gillan, Roger Glover e Ian Paice erano stati invitati alla cerimonia di premiazione per la 64° edizione degli Ivor Novello Awards, durante la quale hanno ricevuto l’Ivor Novello Award for International Achievement per l’eccezionale eredità che ha ispirato e plasmato generazioni di musicisti hard rock in tutto il mondo. Quale migliore occasione per dispensare sinceri consigli ai novelli rockers?

"If you’re in a rock band and only soak up Black Sabbath, Led Zeppelin, and Deep Purple... then you’re not going to have much leeway" (“Se sei in una rock band e ti immergi solo nei Black Sabbath, Led Zeppelin e Deep Purple… allora non avrai molta libertà di azione”); l’invito perentorio fatto ancora da Gillan alle future generazioni di musicisti che aspirano a un carriera da star non potrebbe essere quindi più chiaro.

Le chitarre elettriche più famose della storia sono entrate di diritto nell'iconografia del rock e del XX secolo tout court; tutti riconoscono i modelli più famosi, il quartetto formato da Stratocaster-Telecaster-Les Paul e Diavoletto. Ma la storia di questo strumento è popolata di modelli oscuri (a volte anche leggendari) che nessuno ha (quasi) mai visto. Ecco le nostre cinque scelte!

Gibson Moderne

La Moderne faceva parte della serie "Futura" della Gibson, la risposta della casa di Kalamazoo al successo delle Fender Telecaster e Stratocaster; la serie includeva la Flying V, la Explorer e la Moderne, appunto. Si dubita addirittura che della Moderne sia stato costruito il prototipo; l'Ibanez nel 1975 ne lanciò una replica in poochi esemplari, e finalmente nel 1982 la Gibson ne fabbricò 143 esemplari. Nel 2001 anche la Epiphone ne realizzò una serie, e nel 2012 la Gibson rilanciò la Moderne nella nuova linea Futura (ma con una paletta convenzionale).

Fender Katana

All'inizio degli anni 80 la Kramer e la Jackson spopolavano con i loro modelli spigolosi; la Fender, in crisi di identità, lanciò la Katana nel 1985, che prese il nome dalla spada dei samurai giapponesi. In capo a un anno scomparve dai cataloghi della casa americana!

Martin EM- 18

Progettata d Dick Boak, che lavorò per la Martin a partire dal 1976, fu l'ultimo modello di elettrica della casa americana; ne vennero costruitI 1375 esemplari.

Les Paul 60 Corvette

Nel corso degli anni 90 la Gibson si associò alla Chevrolet, e il risultato fu la Gibson Les Paul 60 Corvette, prodotta in 200 esemplari nel 1995. Nel 2003 la Gibson ne fece una seconda edizione limitata di 50 esemplari, basate su una Les Paul Junior "Twin Cut".

Fender Starcaster

Progettata da Gene Fields nel 1976, la Starcaster voleva essere una semiacustica di lusso che sfidava la Gibson ES-335. I pick-up avevano un range di suoni molto ampio, e la chitarra era inusuale per la forma asimmetrica sia del corpo sia della paletta. Venne prodotta per soli sei anni.

Nome: Vox Phantom Mark III (Teardrop)

Anno di inizio della produzione: 1963

Fine della produzione: 1967; la produzione è ripresa nel 1998 ed è tuttora attiva (con il nome Apache)

Progettista: London Design Center per la Vox

Caratteristiche principali: esistono tre modelli: a 6 corde (the Mark VI), 9 corde (Mark IX) e 12 corde (the Mark XII); il corpo è in acero e frassino, il manico in acero e la tastiera in palissandro; ha due o tre pick-up single coil e un ponte in stile Bigsby

Musicisti famosi che l’hanno suonata: Brian Jones, Keith Richards, Hilton Valentine

Costo dello strumento nuovo:  la nuova serie Apache costa circa 300 dollari e contiene nel corpo un amplificatore a due canali (clean / overdrive), degli altoparlanti da 3 pollici e una drum machine con oltre 60 modelli

Genere musicale: è stata usata nel beat inglese

Nome: Gretsch 6120 Country Gentleman

Anno di inizio della produzione: 1955

Fine della produzione: ancora in produzione

Progettista: sviluppata dalla Gretsch in collaborazione con Chet Atkins

Caratteristiche principali: è una hollow body con il corpo e il manico in acero, tastiera in palissandro, ponte Tune-O-Matic, due pick-up Dynasonics (single coil) o Filtertrons (humbucker) , segnatasti a unghia

Musicisti famosi che l’hanno suonata: Cheta Atkins, George Harrison, Pete Townshend, Duane Eddy, Eddie Cochran, Brian Setzer

Costo dello strumento nuovo:  a partire dai 2900 euro circa, a seconda delle specifiche

Genere musicale: è stata usata in rock, rock'n'roll, rockabilly, fingerstyle, country

La redazione di Stone Music ha intervistato la band genovese!

In occasioe del recente concerto a tenuto al Fabrique di Milano abbiamo posto qualche domanda agli Ex-Otago: buona visione!

Questa breve ma intensa storia d'amore è tratta dal libro Carrie Fisher & Debbie Reynolds: Princess Leia & Unsinkable Tammy in Hell, scritto a quattro mani da Darwin Porter e Danforth Prince, e si concentra sul racconto del rapporto a volte disfunzionale fra madre e figlia, nonché la vite delle due donne, dentro e fuori dal set.
Secondo gli autori, all'età di 17 anni, la Fisher si sarebbe svegliata in un letto a fianco di David Bowie, completamente senza vestiti. Tuttavia, la stessa Debbie racconta di non ricordare chiaramente quegli eventi, offuscati dall'uso di droghe di quel periodo. In particolare, secondo una persona molto vicina all'attrice, l'incontro sarebbe avvenuto nel 1973, dopo una festa a casa di Mick Jagger. In realtà, sempre secondo alcune fonti, Carrie e David si sarebbero frequentati addirittura per settimane, nonostante a quel tempo Bowie fosse sposato con Angie Barnett.

Durante il Download Festival di Madrid, Marilyn Manson ha costretto un fan a togliersi la maglietta degli Avenged Sevenfold, dopo averlo invitato sul palco (di fronte ad una folla di migliaia di persone).

Il Reverendo, ha invitato una serie di fan al suo fianco e, non appena individuato il "colpevole", lo ha costretto a levarsi la t-shirt a suon di: "Quella non è la mia band!".

Manson, in quell'occasione, si esibì proprio prima che gli Avenged Sevenfold salissero sul palco.

Guarda il video qui sotto!

I nostri sono anni precari e se l’Inno è simbolo delle Nazioni, mai come oggi Fratelli d’Italia – o meglio Il canto degli Italiani – ci rappresenta: infatti nessuna musica nazionale è stata più precaria, tra censure e provvisorietà. L’Inno di Mameli non lo volevano i Savoia, non lo voleva il Fascismo, e la Repubblica l’ha lasciato per 71 anni in bilico!

Solo il 15 novembre 2017 è diventato infatti ufficiale e definitivo.

E visto che quest'anno, il 17 marzo l’Italia ha compiuto 157 anni, non si può trascurare la storia di questo Canto bistrattato e calunniato, che lungi dall’essere una retorica marcetta che rievoca orgogli militari, nella realtà è stato uno dei canti più popolari e amati del Paese, scritto nel 1847 da un uomo coraggioso e sfortunato. La musica è del Maestro di coro Michele Novaro, tenore di Genova. Le parole sono del suo concittadino Goffredo Mameli, ventenne patriota repubblicano e mazziniano. E sono parole che rievocando gesta italiche gloriose, nell’intenzione dell’autore dovevano infondere coraggio.

Quello che ora appare retorico, era allora un appassionato grido alla rivolta, per l’Indipendenza e l’Unità.

Un grido che Mameli pensava di adattare a musiche già esistenti, prima di inviare il testo a Torino, all’amico Lorenzo Valerio. E proprio da Valerio c’era Novaro, che si mise al cembalo per trovare le note. In una commemorazione di Mameli (morto nel 1849 per le ferite riportate sul Gianicolo in difesa della Repubblica Romana), Novaro ricordò di essere corso a casa e, senza levarsi il cappello, di essersi messo a suonare: “Mi tornò alla mentre il motivo strimpellato in casa di Valerio: lo scrissi su un foglio di carta, il primo che mi venne alle mani; nella mia agitazione rovesciai la lucerna sul cembalo e, per conseguenza, anche sul povero foglio; questa fu l’origine dell’inno”.

Il 10 dicembre di quell’anno, Fratelli d’Italia debuttò a Genova, grazie alla banda Casimiro Corradi di Sestri Ponente. Si commemorava la rivolta del 1746, quando Giovan Battista Perasso, detto “Il Balilla”, lanciò il primo sasso contro gli Austriaci che occupavano Genova.

Quel giorno, l’inno di Mameli – stampato su “fogli volanti” (una copia originale è conservata al Museo del Risorgimento della città) – venne accolto con entusiasmo da ben 30.000 persone; dopo pochi giorni era una vera “hit”. Durante le Cinque giornate di Milano venne intonato dagli insorti, divenendo simbolo del Risorgimento repubblicano. Le autorità piemontesi invece lo consideravano eversivo e cercarono di vietarlo, ma il tentativo fallì: durante la Prima Guerra d’Indipendenza veniva suonato da tutte le bande militari, mentre i soldati lo cantavano alzando i caschetti sulla punta delle baionette. I Savoia tentarono fino al 1911 di censurarlo, ma senza fortuna. Anche Garibaldi lo amava e pare lo canticchiasse insieme alla Bella Gigogin.

Quando nel 1862 scrisse l’Inno delle Nazioni, accanto a God Save the Queen e alla Marsigliese Giuseppe Verdi mise Il Canto degli italiani e non la Marcia Reale di Gabetti, inno ufficiale del Regno.

Il più antico documento sonoro di Fratelli d’Italia è un 78 giri del 1901, inciso dalla Banda Municipale del Comune di Milano sotto la direzione di Pio Nevi.

Poi arrivò il Fascismo e di nuovo Il Canto subì forme più o meno velate di censura: il Regime non lo amava perché legato alla Rivoluzione democratica del 1848. Venne però cantato dopo l’8 settembre insieme con le canzoni partigiane. Diventò Inno provvisorio dello Stato, con decisione del Consiglio dei Ministri – e su proposta del Ministro della Difesa Cipriano Facchinetti – il 14 ottobre 1946.

Diceva Giosuè Carducci: “È un inno che, quando lo ascolti sull’attenti, ti fa vibrare dentro; è un canto di libertà di un popolo che, unito, risorge dopo secoli di divisioni, di umiliazioni”. E così la pensava anche il Presidente Carlo Azeglio Ciampi, che ne fece il cavallo della sua battaglia civica. Di opinione diversa l’autore di canzoni Roberto Ferri, che in un 45 giri del 1980 ne fece una versione curiosa, in stile “demenziale”: Italian Brothers Reggae. Non è stato l’unico a interpretarlo a modo suo: lo fece anche in versione spiritual Elisa, come inno ufficiale del Mondiale del 2002 (venne censurato).

Ora, l’Inno è di nuovo popolare e viene raccontato da artisti alla Benigni, interpretato in lingua dei segni dagli atleti sordi, strimpellato al piano da Mario Balotelli; l’unico vero problema è che in troppi si chiedono perplessi perché Iddio abbia creato schiava la Chioma e non direttamente – come in effetti è – la Vittoria. Ma questa è un’altra storia...

L'Edgewater Hotel di Seattle ha creato un paio di suite a tema rock'n'roll, dedicando una stanza a un gruppo che vi ha soggiornato, e un'altra ad una fra le loro band preferite: i Pearl Jam e i Beatles.
Secondo il sito web ufficiale dell'hotel, la Pearl Jam Suite è stata progettata con l'assistenza stessa del gruppo e del suo fan club con "un arredamento industriale ispirato al grunge", poster, una chitarra, un amplificatore e la scritta Mother Love Bone sopra al letto. La struttura, ha promesso che il 10% del ricavato, insieme a parte dei guadagni dei prossimi spettacoli dei Pearl Jam, saranno destinati ad una fondazione che si occupa di dare assistenza ai senzatetto di Seattle.

La Beatles Suite, invece, offre una zona giorno, un camino, una vasca termale, e una camera da letto. Al suo interno, un giradischi e tutti gli album della storica band, con le loro copertine e diversi LP ad adornare le pareti. I Beatles soggiornarono all'Edgewater Hotel, nella camera 272, nell'agosto del 1964. 

Accettate una sfida: andate su Amazon, cliccate sulla categoria “libri” e poi cercate Vasco Rossi. Vi sorprenderete: 207 risultati (al momento in cui scriviamo queste righe). Migliaia di pagine, milioni di parole. Non tutte necessarie, molte utilissime. A cominciare da quelle del Kom in persona. Ecco i libri più interessanti.

1/ Il primo libro su Vasco che ho comprato è uno dei più belli e dei più intensi, almeno per il Vasco degli inizi: scritto da Massimo Poggini e ormai introvabile nella prima edizione Sugarco del 1985, s’intitolava Vasco Rossi. Una vita spericolata, già sotto il segno della provocazione del mito.

2/ Poi, nel 1993, esce il primo libro importante, Io Vasco. L’autobiografia di Vasco Rossi, scritta e commentata per la ERI da Ivano G. Casamonti. Un libro in puro stile “vaschiano”, realizzato a briglia sciolta, a partire da una serie di registrazioni notturne, con tutto quello che ne consegue.

3/ Decisamente più interessante Il ritorno di Vasco e altri racconti dal carcere di Davide Pinardi (Marcos y Marcos) dove, tra le altre, si racconta la storia (emblematica per l’immagine di Vasco di quegli anni) di un clochard scambiato per Vasco Rossi da un gruppo di discotecari che lo raccolgono per la strada, se lo portano a casa e gli cambiano la vita - poi l’inevitabile finale, in carcere, com’era successo al Nostro 10 anni prima.

4/ Con Terremoto Vasco (Arcana, 1996), Enzo Gentile prova a spiegare, con passione e intelligenza, un personaggio e un successo che molti faticano a capire, evitando tuttavia ogni forma sia di santificazione che di demonizzazione.

5/ Ed ecco l’anno dopo arrivare, quasi una risposta, il primo libro scritto da Vasco e stampato da Mondadori, Diario di bordo. Famoso l’incipit imparato a memoria dai suoi fan: “Mi infilo dentro una tournée come in un tunnel... senza sapere come va a finire”. Il resto sono pensieri in libertà, sogni, poesie, spunti per canzoni, frammenti di diario.

6/ Il primo libro del nuovo millennio è Vasco Rossi (1978-2003): 25 anni di musica spericolata, 300 pagine scritte da Annalisa Canale per Editori Riuniti.

7/ Il reci-divo di Alfredo Del Curatolo (Ed. Bevivino), intrigante ma ormai introvabile; e, insieme, un libro cult, Ogni volta che sono Vasco! di Massimo Cavezzali (Coniglio editore), ovvero l’imperdibile biografia a fumetti del Blasco.

8/ Nel 2011, dopo Vasco canzoniere completo (188 testi stampati da Volonté & Co, più accordi per chitarra e tastiera), arriva il secondo libro del nostro, La versione di Vasco (Chiarelettere editore), in cui rimette insieme e racconta la storia e il senso della sua vita, soprattutto la differenza tra se stesso e il personaggio Vasco Rossi ("Non sono mica Vasco Rossi io. Sono un uomo, mica un eroe invulnerabile come Achille. Dove mi colpisci io sanguino, Vasco Rossi no, lui non sente niente").

9/ Il 2012 è l’anno di Vasco Rossi. Tabularasa di Raimondi e Thorimbert (Mondadori): “un racconto per immagini, lungo 27 anni, del grande Vasco. Un continuo rimbalzo tra il Vasco pubblico, l’icona rock, e un Vasco più Rossi, autoironico, quasi intimo”.

10/ Un testo fondamentale come Così parlò Vasco Rossi. Antologia poetica di Salvatore Martorana (Arcana, 2016), uno studio monumentale paragonabile, per profondità di analisi, a quello di Gianfranco Salvatore su Battisti, Mogol-Battisti. L’alchimia del verso cantato (Castelvecchi, 1997)?

Woodstock 1999 è stato il raduno trentennale in celebrazione dell'originale festival tenutosi nel 1969 a Bethel. Il festival si è tenuto nell'ex base aerea Griffiss, nella località statunitense di Rome nello stato di New York dal 23 al 25 luglio 1999. Tra i partecipanti vi furono i Limp Bizkit, The Offspring, i Rage Against the Machine, i Korn, i Creed, i Red Hot Chili Peppers, i Bush, i Megadeth, Alanis Morissette e i Metallica. Lo svolgimento fu però turbato da un pessimo epilogo: roghi, risse, stupri, saccheggi e vandalismi vari...

L’avvenimento fu caratterizzato fin dal principio da scarsa organizzazione e problemi logistici: l'area non era a norma, il numero di toilette mobili installate non erano sufficienti per la portata di gente che vi ha partecipato (225.000 persone!) e quelle poche funzionanti erano contraddistinte da code infinite di ore e ore, inoltre il prezzo dei biglietti e dei primi generi alimentari (tra cui l'acqua) erano esorbitanti.

Le prime violenze sono cominciate l'ultimo giorno durante l'esibizione dei Limp Bizkit, quando il frontman del gruppo Fred Durst, in modo assolutamente irresponsabile, incita il pubblico a distruggere ogni cosa prima di iniziare a suonare il brano Break Stuff: alcuni hanno iniziato a svaligiare camion che contenevano bevande o mercanzia da vendere ai concerti; altri hanno iniziato ad abbattere le installazioni dell'impianto-luce e gli altoparlanti dell'amplificazione; altri ancora hanno preso d'assalto una stazione radiofonica semovente, cercando di distruggerla.

Tuttavia, le azioni più gravi sembra siano cominciate durante l’esibizione dei Red Hot Chili Peppers quando alcune candele distribuite durante il giorno vengono utilizzate per accendere numerosi piccoli falò alimentati dall’enorme mole di rifiuti a terra, i falò iniziano a diventare dei veri e propri incendi, fino a far crollare una torre audio. Da questo momento il pubblico inizia a cantare “the roof is on the fire” di Rock Master Scott & the Dynamic Three: “we don’t need the water, let the mutherfucker burn, motherfucker burn”. Come se non bastasse, i falò aumentano di intensità quando il gruppo chiude lo show con Fire di Jimi Hendrix.

Finalmente, l’intervento delle forze di polizia mette fine al caos: oltre ai danni devastanti al luogo in cui si è tenuto Woodstock 99, si contano 7 arresti, numerosissimi feriti e addirittura delle violenze sessuali.

La produzione è basata sulla storia del romanzo "L'uomo che cadde sulla terra" scritto dallo stesso Bowie nel 1975: racconta la storia di Thomas Jerome Newton, un alieno che cerca di trovare un modo per salvare la sua specie in via d'estinzione sulla Terra - nello spettacolo interpretato da Manuel Agnelli.

La versione italiana di “Lazarus”, scritta da Bowie insieme al drammaturgo irlandese Enda Walsh, vedrà la partecipazione di attori come Dario Battaglia, Maurizio Camilli, Noemi Grasso, e la colonna sonora, composta dal Duca Bianco in persona, verrà eseguita da Manuel Agnelli insieme a Casadilego (XIV edizione di X Factor) e molti altri artisti - per dettagli, qui. La regia è affidata al direttore di ERT Valter Malosti, che insieme allo stesso Walsh ha coordinato la versione italiana.