La band, è composta da da Giada Celeste Chelli (voce e pianoforte), Gabriele Lari (chitarra), Ferruccio Baroni (basso) e Michel Agostini (batteria).

Inzialmente, il progetto Violet Blend nasce dall'incontro di Giada Celeste Chelli e Michel Agostini e dall'unione delle composizioni grunge e delle ritmiche metal. Successivamente, incontrano il punk con Steeve Rosales, alla chitarra, per poi muoversi verso l'hard rock con Gabriele Lari al basso.

Il 2016 vede un cambio di formazione, Gabriele Lari subentra alla chitarra, prima Valerio Marseglia ed in seguito Ferruccio Baroni al basso.

Lo stile della band unisce diversi generi musicali e si districa fra essi, per questo è ben espresso ironicamente nella parola "blend rock": dal graffio delle chitarre, contrapposto alla chiarezza e armonia del pianoforte. Si esprimono con giustapposizione di incisi e accordi in dissonanza e l'inconfondibile colore della voce.

L'impianto sonoro, esaltato dai frequenti sbalzi dinamici e ritmici, conduce lungo un percorso tortuoso di sentimenti e confessioni, orientando l'ascoltatore verso atmosfere sempre nuove e svariate in ognuna delle tracce.

Dai un'occhiata al sito della band e ottieni maggiori informazioni, cliccando qui!

Il batterista dei Metallica, Lars Ulrich, in un'intervista ha nominato il suo ipotetico successore all'interno della band.

Se i Meteallica decidessero, un giorno, di continuare senza di lui... "Se potessi scegliere... prenderei Phil Rudd (AC/DC), solo sentendo le sue vibrazioni, posso immaginare cosa avrebbe fatto. E' stata la mia principale fonte d'ispirazione, e il suo modo di suonare è super-progressivo. Roba da pazzi. Me lo immagino Phil Rudd, suonare alle spalle di James."

Sabato notte a New York: 30 marzo 1968 – l’estate dell’odio ci è quasi addosso. Cinque notti dopo, Martin Luther King Jr sarà assassinato a Memphis. Altri due mesi e toccherà a Bobby Kennedy. Alla fine dell’anno, Richard Milhous Nixon sarà eletto 37° Presidente degli Stati Uniti. Hey Jude dei Beatles potrà anche essere il singolo più venduto dell’anno, ma è suo il lato B (Revolution) a parlare dritto al cuore della generazione di capelloni, e viaggiatori acidi in questa fredda serata primaverile sono in fila davanti all’Anderson Theatre al 66 della Second Avenue per vedere gli Yardbirds – il gruppo più groove d’Inghilterra. O meglio, ciò che ne resta. È la terza data del loro ottavo tour americano in quattro anni e anche se il chitarrista Jimmy Page e il bassista Chris Dreja non lo sanno ancora, sarà anche l’ultimo. “Avevamo perso l’entusiasmo”, ci svela oggi il batterista e cofondatore Jim McCarty. “Non avevamo più energie. Se ci fossimo presi una lunga pausa, ci fossimo seduti, riposati e presi tempo per pensare a nuove canzoni, forse saremo stati in grado di continuare. Ma a quell’epoca tutto si basava sul concetto di lavorare come muli e suonare ogni singola maledetta sera”, sospira. “Credevano che, se ti prendevi una pausa di sei mesi, nessuno si sarebbe più ricordato di te”.

Va anche detta una cosa: sarebbe sembrato a tutti un assurdo e inopportuno chiamare proprio in quel momento un time-out per quello che era uno dei più creativi, famosi e influenti gruppi dei Swinging Sixties. Famosi per hit proto-psych come For Your Love, Shapes Of Things e Over, Upwards, Sideways, Down, gli Yardbirds erano anche stati la casa dei tre migliori chitarristi inglesi: Eric Clapton, Jeff Beck e Jimmy Page. Erano apparsi in film d’autore come Blow Up di Antonioni, ed erano adorati da emergenti del calibro di David Bowie, Rod Stewart, Steven Tyler, Alice Cooper, Lemmy, Gary Moore e Alex Lifeson…

Così La Taniére d’Amèlie si raccontano, in un gioco di evocazioni e contraddizioni.

Com’è nata l’avventura La Taniére d’Amèlie?
Ci siamo conosciuti nel 2011 durante la terza edizione del Premio Valentina Giovagnini, festival musicale dove erano stati invitati i FumiProFumi, la band indie rock dove allora militavano Andrea e Riccardo. Da li è nata un’amicizia, una frequentazione e un rapporto di reciproca stima che ci ha convinti nel 2015 a iniziare un percorso comune.

Cosa significa La Taniére d’Amèlie? 
Approcciandosi a questo nome, viene immediato riferirsi a quel capolavoro del cinema francese che Jean-Pierre Jeunet ha portato al buio della sala all’inizio del millennio (Il favoloso mondo di Amelie, appunto), film romantico e a tinte pastello. Lo abbiamo volontariamente sporcato, associandolo alla parola “tanière”: covo, luogo dell’illecito per definizione. La Tanière d’Amélie è un gioco di richiami e citazioni, di coesistenza fra realtà contraddittorie.

Benedetta, tu hai partecipato a The Voice of Italy. Come mai hai deciso di abbandonare l’idea di una carriera da solista?
The Voice è stata un’esperienza positiva sotto tutti i punti di vista. Ma non vedo questo mio nuovo progetto come un abbandono della carriera solista, ho semplicemente deciso di condividere il mio percorso con due amici musicisti che hanno arricchito il mio background musicale sotto ogni punto di vista. Anzi, mai come adesso sto facendo la musica che più mi appartiene e mi piace fare.

Il brano con cui vi siete aggiudicati il contest, Un buco nell’anima, è stato definito il punto più alto della vostra produzione artistica. Siete d’accordo?
Senza dubbio, è il progetto dove vanno a confluire in maggior misura le nostre rispettive conoscenze e influenze musicali che traggono la loro origine dal mondo del blues. Un buco nell’anima presta particolare attenzione alla ricerca della sonorità, al colore della musica, all’importanza della parola. Quest’anima blues le conferisce ancora più potenza comunicativa.

Chi è l’autore dei vostri brani? 
Ai testi penso io (Andrea). Nella creazione di una lirica m’ispiro alle cose che mi piacciono e le declino nella forma canzone. Che siano libri, film, videogames, nonché ritagli di vissuto quotidiano: non c’è nulla che non dia buoni spunti da rielaborare per fare un buon testo.

Avete altri progetti in cantiere? 
A giugno 2016 è uscito il nostro primo Ep, composto da 8 brani inediti. È stato accolto positivamente e questo ha rappresentato per noi la spinta a continuare a lavorare in questa direzione, tanto che già stiamo scrivendo nuovi brani e stiamo già pensando a un nuovo album.

Vi etichettate in un genere particolare? 
Non ci riconosciamo in un genere particolare, anche se un pochino ci piace definirci “alternative”. Amiamo spaziare fra generi che ci piacciono, dal jazz all’elettronica, dal rock al folk. È questo il bello della nicchia, la grande libertà creativa che ti lascia.

Ultimamente, i nostri contest vedono in finale molte voci femminili, cosa ne pensate?
Il rock ha spesso avuto come protagoniste donne che tutt’oggi continuano a essere delle vere e proprie icone. Come in tutti i settori, esistono persone più o meno capaci e meritevoli, indipendentemente dal sesso. Noi possiamo solo dire di avere un’ottima vocal performer e sperare di ritagliarci un posticino minuto fra i “bravi”.

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L'8 gennaio, David Bowie avrebbe compiuto settantasette anni. Ma nonostante gli anni passino, il duca bianco rimane una costante nelle nostre vite. La Parlophone Records ha pubblicato online una demo inedita di "Let's Dance", l'iconica traccia di David Bowie, pubblicata come title track dell'album del 1983. Clicca qui per ascoltare la versione inedita di Let's Dance di David Bowie!

Il chitarrista dei Def Leppard, Phil Collen, ha ripensato al classico album della band del 1987, Hysteria. Il seguito di Pyromania, del 1983, fu un vero e proprio successo, che portò alla band oltre 25 milioni di vendite in giro per il globo, e generò alcuni singoli di incredibile successo. Collen, in una recente intervista ha dichiarato: "Penso che sia la cosa migliore che abbiamo mai fatto. La maggior parte del merito va al produttore Mutt Lange, perchè ci ha davvero spinto a fare qualcosa di diverso", ha detto lodando il produttore.

È un orgoglioso cittadino di Birmingham che suona canzoni sul diavolo, ma che ha anche i suoi angeli custodi. Ha ottenuto fama e successo oltre ogni immaginazione, vendendo milioni di dischi e suonando davanti a milioni di fan con un gruppo che è stato tra i padri fondatori dell’heavy metal. Gli incidenti di percorso sono stati dei veri incubi – tra varie ed eventuali, anche una diagnosi di cancro.

Tony Iommi: "Credete sempre nell'impossibile!"

Ho perso la punta di due dita in un incidente sul lavoro. Era il mio ultimo giorno, stavo per lasciare quella fabbrica di lamiere per diventare musicista professionista. Avevo solo 17 anni e i medici mi dissero che provare a continuare a suonare la chitarra non aveva senso. Io però non ho mollato e alla fine ho trovato un sistema. E quest’attitudine ce l’ho avuta per tutta la vita: non ho mai mollato quando qualche membro del gruppo è andato via. Trovi un sostituto e vai avanti. E alla fine, comunque, siamo tornati insieme.

Tony Iommi: "I miei riff? Non ho idea da dove vengano"

Ma sono grato che ci siano. Arrivano dal nulla, non è che mi siedo lì a studiarli. Mi vengono e basta. È molto strano: mi siedo a suonare e in dieci minuti mi vengono due o tre riff. Qualcuno fa un po’ schifo, ma la maggior parte è utilizzabile. Sono una frana in molte altre cose, ma se c’è una cosa nella vita che mi riesce bene, quella sono i riff.

Pensate alla copertina di un disco dei Queen. Ci sono buone possibilità che se non stiate pensando alle teste fluttuanti nell’ombra raffigurate da Mick Rock per QUEEN II, allora abbiate scelto il gigantesco e impassibile robot che si s taglia su NEWS OF THE WORLD. Esteticamente – per non dir e anche musicalmente – il sesto disco dei Queen in studio fu una rottura con il passato. I loro due dischi precedenti – A NIGHT AT THE OPERA del 1975 e A DAY AT THE RACES del 1976 – erano stati esercizi di minimalismo, con lo stemma progettato da Mercury e uno sfondo monocromatico.

Per NOTW lo spunto venne quando Roger Taylor scoprì un vecchio numero 3 della rivis ta di fantascienza USA «Astounding Science Fiction». Sulla copertina c’era il robot che ormai conosciamo bene, ma qui, nella sua forma originale, teneva in mano un c adavere, gli occhi freddi e vuoti, apparentemente incapace di rendersi conto del crimine che aveva appena commesso. Il gruppo, ovviamente, non voleva limitarsi a riprodurre l’immagine, per cui rintracciò l’autore dell’illustrazione, Frank Kelly Fres, per concordare un adattamento. Nel mondo dell’illustrazione di fantascienza, Freas era una super star. Era stato il primo artista a vincere 10 premi Hugo (gli ‘Oscar della Sci-Fi Art’) e aveva illustrato opere dei nomi più import anti del genere come Isaac Asimov e Robert Heinlein. Il suo lavoro più famoso però era di tutt’altro genere. Freas infatti era l’ideatore di Alfred E. Neumann, il simbolo della rivis ta «MAD».

Un Robot gigante protagonista di NEWS OF THE WORLD

Freas acconsentì a modificare il disegno, adattandolo per NEWS OF THE WORLD: il robot avrebbe avuto tra le grinfie i corpi insanguinati di May e Mercury, mentre Taylor e Deacon cadevano al suolo come bambole rotte. Se si apriva la copertina gatefold, si poteva vedere il mostro di acciaio che si abbassava per pescare vittime dalla folla terrorizzata. Era e restava un’immagine spietata, stranamente inquietante, come mostrato nell’episodio dei Griffin del 2 012 Killer Queen, dove Stevie il figlio piccolo della famiglia Griffin è terrorizzato dalla copertina del disco (episodio basato sui ricordi d’infanzia di Seth McFarlane, l’autore dei Griffin).

I Queen non hanno mai avuto una mascotte come Eddie, Rose o Snaggletooth, ma l’affetto per il colosso metallico di NEWS OF THE WORLD – a cui Brain May si riferisce chiamandolo ‘Frank’ – è palpabile. Lo abbiamo visto apparire sotto forma di cammeo nel corso di molte date del tour del gruppo con Adam Lambert. Il 23 giugno 2017 alla Gila River Arena in Arizona, i primi arrivati lo hanno visto sfondare un muro fatto di schermi prima di We Will Rock You, apparire sui tamburi della batteria di Taylor, infastidire May durante un assolo e minacciare di rubare la scena ad Adam Lambert quando quest’ultimo ha cantato Killer Queen sulla testa del robot.

Questo articolo compare originariamente nel numero #58 di Classic Rock Italia.

Testo: Henry Yates

Formati da Karin alla voce, Stefano alla chitarra e cori, Marco al basso e Simone alla batteria, sono alla ricerca di un tastierista che si unisca stabilmente alla band. Il loro stile è influenzato dai diversi background musicali dei componenti, passando dal rock al metal, con un pizzico di pop.

Com’è nato questo progetto musicale?
Stex: L’idea è stata mia e di Karin. Abbiamo cominciato suonando qualche cover acustica, poi ascoltando gli inediti di Karin abbiamo deciso di cambiare strada. I suoi brani mi sono piaciuti molto. Nel dicembre 2016 abbiamo cercato altri elementi con cui mettere su i System Flaw e di lì a poco abbiamo registrato il nostro primo video. Turn Back the Hands of Time è stato presentato su YouTube subito dopo e a oggi supera le 13.000 visualizzazioni.

Il tortuoso percorso dei Nickelback e la forzatura del post-Grunge

Davvero bizzarro e tortuoso il sentiero percorso dai Nick’ nei loro vent’anni, nel dorato ma tremendo panorama del music-biz, che li ha visti esordire da sfigatelli postadolescenti sulla via di quello che si tentò di chiamare a forza post-grunge ma che, almeno per CURB (il loro esordio autoprodotto del 1996) sembrava il  classico “Quattro anni per riordinare le idee”, ed ecco che nel 2000 vede la luce THE STATE, che incanala la band sulla via già tracciata da nomi come Drowning Pool, P.O.D., Godsmack e un pizzico di Silverchair ma non va oltre il numero 130 delle charts USA.

La Roadrunner ci crede e a un anno di distanza stampa SILVER SIDE UP, dove compaiono tematiche personali che sfociano sia in brani dalle chitarre sature ma anche in malinconie acustiche agrodolci, anche se il  suono che esce fuori pare oggi un po’ datato, con una produzione a metà strada fra Creed e Staind. How You Remind Me però è il singolo giusto per tutti i nerd malinco-grunge del nuovo millennio.

La progressiva mutazione dei Nickelback e l'eco del Grunge

Poi nel 2003 esce THE LONG ROAD, e la progressiva mutazione rivela una discreta consistenza compositiva, sempre riecheggiante l’enfasi della Seattle alternative, ma rivestendo i brani di un tocco radiofonico al passo coi gusti del terzo millennio. In definitiva, si rinnova la  formula dell’album precedente, con un suono più pulito ma al tempo stesso pompatissimo, con buona pace dei subwoofer di centinaia di migliaia di auto americane.

La consacrazione arriva con ALL THE RIGHT REASONS, un’esplosione che tocca più livelli di percezione, dove, alla fama crescente, fa eco una  consistente pletora di agguerriti detrattori, pronti anche ad analizzare i testi di Chad Kroeger pur di spernacchiare i contenuti dei loro dischi. Ma in questi solchi  avviene la completa mutazione verso un sound invero coraggioso e originale, nel tentativo di mettere a comune denominatore due facce del rock in totale antitesi  tra loro: le reminiscenze di Alice in Chains e Pearl Jam in uno scontro frontale con un heavy rock radiofonico memore di certe armonie AOR, in anticipo su quanto faranno band come Alter Bridge, che, al contrario, saranno accolti con maggiore benevolenza critica.

"Feed The Machine" dei Nickelback ci stupirà?

Ci vorranno tre anni per ascoltare un loro nuovo album,  ma ormai la band ha trovato la dimensione congeniale e DARK HORSE rinnova la strada a doppia corsia tra i due estremi toccati, e ancora una volta la scelta del produttore sarà fondamentale: parliamo di Matt Lange, l’uomo di BACK IN BLACK e PYROMANIA, con Chad a divincolarsi tra sguaiati, laidi doppi sensi discretamente misogini e ballate a fior di pelle con enfasi da soundtrack. In pieno controllo di se stessi, nel 2011 tirano fuori HERE AND NOW, il loro album più  eclettico, tra echi power pop geneticamente modificato, disco-rock aggiornato al terzo millennio e l’immancabile dose di sarcasmo scollacciato figlio della t etralogia di American Pie. Come sempre accade, a una salita repentina segue una discesa degna di una montagna russa e nel 2014 NO FIXED ADDRESS,  decisamente stanco e ripetitivo nei brani proposti, si ferma ad appena 300.000 copie negli USA ed è ignorato quasi ovunque.

Tocca ora a FEED THE MACHINE far capire se si è trattato solo di una sbandata…

Leggi di più e la nostra intervista ai Nickelback nel nuovo numero di Classic Rock Italia #57! In edicola da fine luglio.

Renato è un autore di romanzi gialli. Ne scrive e ne pubblica tanti, tutti sotto lo pseudonimo anglofono che la casa editrice gli ha suggerito di usare, confidando, e a ragione, nel fascino discreto di un nome che rimandasse all’aristocrazia britannica. A cinquantaquattro anni, ha collezionato una settantina di bestseller e  abbastanza soldi da potersi permettere di vivere agiatamente e accettare il doloroso anonimato imposto al suo ego.

Quando i suoi amici gli rimproverano scarso coraggio nel prendersi il rischio di pubblicare finalmente qualcosa con il suo vero nome, lui risponde alzando un po’ le spalle, sorridendo e, in genere, versandosi da bere. Non conosce altri rimedi contro quel tipo di frustrazione, se non, appunto, glissare e concedersi un buon bicchiere di whisky e un vinile dei Pink Floyd,  uno qualsiasi, tanto li possiede tutti e in doppia copia. In ATOM HEART MOTHER ha trovato la serenità per risolvere i problemi col mutuo, in THE DARK SIDE OF THE MOON la forza di affrontare il difficile divorzio e ANIMALS lo ha aiutato ad accettare lo smacco di aver incassato un assegno da 60 milioni di lire per la  ristampa di Chiamami delitto!, giallacccio ambientato in Cornovaglia, dove il famoso detective Brandon rischia di rimetterci la pelle.

Così, una volta acquistata  casa, pagato tutti gli alimenti e le tasse universitarie per il figlio, Renato ha deciso di togliersi degli sfizi, come imparare a suonare la  chitarra, comprare una villa in un’isola greca, farsi qualche lungo viaggio. Da qualche tempo, poi, su quell’isola greca, Hydra, ci passa dieci mesi l’anno; è lì che ha scritto Rock can kill you, il libro a cui si è affezionato di più, quello in cui Brandon deve salvare la vita a un musicista famoso che assomiglia davvero tanto a  Roger Waters e che, guarda caso, ha problemi con gli altri componenti della sua band.

Il libro era stato un successo e anche la risorsa per una sostanziosa pensione integrativa. Evento da festeggiare in grande stile e con una festa nella casa di Hydra, alla quale aveva deciso di invitare anche i misteriosi proprietari  delle due ville confinanti. A party iniziato, Renato imbraccia la chitarra e attacca uno dei suoi classici rompighiaccio, Wish You Were Here. La sta ancora  suonando quando un amico gli fa cenno di andare all’ingresso. Profondamente seccato, Renato si reca al cancello della villa e strilla al guardiano di far passare i ritardatari che, invece, gli si avvicinano porgendogli una cesta di birre.

“Leonard, piacere”, gli dice uno  dei due, tendendogli la mano. Renato non riesce più a respirare, ma fa del suo meglio per dare una stretta di mano decente a Leonard Cohen. Cohen si fa passare  la cesta di birre dall’altro invitato che, quindi, si fa anche lui avanti per presentarsi. Renato, che sta per avere un infarto e che ormai pensa soltanto a sopravvivere quei secondi sufficienti per raccontare la vicenda, rimane con il braccio teso e paralizzato, mentre David Gilmour finisce  le presentazioni. Dopo altri quattro giri di birre, i tre si mettono a suonare insieme, passando da Proud Mary a Bella ciao, per la gioia degli ospiti e dei posteri a cui quella festa viene ancora raccontata come La madre di tutte le feste.

Due giorni dopo, arrostendo pesce spada sul barbecue del suo giardino, Gilmour spiegava a Leonard che Renato è la testa e la penna che si nascondono dietro al nome di Sir Robert Downey, e sottolineava quanto lui e Leonard fossero entrambi grandi fan del detective Brandon. “Anzi, a questo proposito avrei un favore da chiederti…”, dice Gilmour a Renato. Nell’inatteso sequel di Rock can kill you, pubblicato qualche mese dopo, Brandon non riuscirà a salvare la vita del  musicista così simile a Waters, che sarà, infatti, ucciso a sangue freddo da un certo David, efferato assassino e chitarrista provetto. Il libro, dedicato all’amico Leonard, indimenticabile poeta e viaggiatore, è, a oggi, il giallo di maggior successo di Sir Robert Downey.

Testo: Cristiana Turchetti

Lamarea sono un gruppo versiliese di quattro ragazzi, amici da sempre. Quando si descrivono, dicono di essere nati dall'estremo bisogno di musica, così hanno trasformato in note un po’ delle loro vite. Hanno debuttato con l’album “Oltre”, uscito a dicembre del 2016, un disco ispirato al cambiamento e al viaggio attraverso l’esistenza, dal sapore pop-rock.

 Ma lontano dalle scene, Paul Stanley è un uomo di casa, uno chef, un salutista e un padre di famiglia che fin dall’infanzia cela una menomazione che solo da poco è arrivato ad accettare.

Ti accorgi che ci si sta avvicinando a casa di Paul Stanley perché le orecchie schioccano. Ovviamente, la cosa non ha nulla a che fare con il falsetto lancinante del frontman dei Kiss, che ha aiutato il gruppo a vendere oltre 100 milioni di dischi negli ultimi 45 anni. Il motivo è che Stanley vive sulle montagne della contea di Santa Monica, al di sopra della linea degli alberi, in una villa che si diverte a chiamare “la casa costruita sulle recensioni negative”. E ha ragione.

I fan adorano i Kiss ma la critica no, e li ha attaccati fin da quando il gruppo debuttò a New York nel 1973, con zatteroni alti dieci centimetri, vestiti di pelle nera e un make up che definire pacchiano era poco. Per i loro fan, i Kiss sono sempre stati molto più di un semplice gruppo. Erano uno stile di vita, un luogo dove il sentirsi diversi era celebrato, dove i ragazzi erano uomini, le donne erano tutte groupie strafiche e nessuno doveva mai abbassare il volume. Per i critici, invece, erano solo irritanti. Non riuscivano a digerire come quattro individui (per la maggior parte) intelligenti e in qualche modo eruditi facessero volutamente i buffoni, servendosi di identità da fumetto e una musica elementare che prometteva solamente di ‘rock’n’roll all night and party every day’.

Anche se in effetti i Kiss incarnavano ogni singolo elemento vero del rock’n’roll, per ben 15 anni gli è stato negato (mai ufficialmente, ma la volontà di escluderli era evidente a tutti)  l’accesso nella Rock and Roll Hall of Fame. Dave Marsh, autore di best seller e co-fondatore della rivista «Creem», nonché membro del comitato per le nomination alla Rock and Roll Hall of Fame, dichiarò nel 2011: “I Kiss non saranno mai un gruppo valido, e ho fatto di tutto per tenerli sempre fuori dai ballottaggi”. Fortunatamente, il gruppo aveva dalla sua sostenitori del calibro di Tom Morello, che si autodefinisce “un rumoroso e puntiglioso sostenitore del diritto dei Kiss di essere ammessi alla Rock and Roll Hall of Fame”. Qualcuno deve averlo ascoltato, perché finalmente nel 2014 i Kiss furono accolti nella Hall dallo stesso Morello. Ma il chitarrista dei Rage Against The Machine non è il solo autore contemporaneo che riconosce il suo debito verso i Kiss.

Garth Books ha dichiarato che i Kiss sono stati i suoi Beatles, e Dave Grohl li segue con passione da 40 anni. “Ogni mattina, prima dell’inizio delle lezioni, passo il tempo assieme a Paul Stanley nel parcheggio della fottuta scuola elementare dei nostri figli”, rivelò Grohl qualche tempo fa. Confessò che parlavano degli Zeppelin, di ELECTRIC LADYLAND, delle fatiche dell’andare in tour e ovviamente di come raccogliere fondi per la scuola – con cose tipo il concerto che i Foo Fighters organizzarono lo scorso ottobre e che vide Stanley salire sul palco per le cover di Whole Ltta Love dei Led Zeppelin e di It’s Only Rock’n’Roll (But I Like It) dei Rolling Stones.

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Così un fotografo disse a Ed Caraeff a Monterey. Parole sagge, visto che Ed sarebbe riuscito a scattare alcune delle foto più famose di Jimi. Oggi, sono nel suo nuovo libro.

"Al liceo facevo il fotografo. Non è che pensassi di farlo anche dopo, come lavoro. È solo che mi piaceva la fotografia, e il mio insegnante, Mr Meade, era un tipo che dava retta agli studenti, non come certi altri insegnanti che avevo avuto." Racconta nel libro, e di come si sia ritrovato per puro caso ad essere un "fotografo rock'n'roll", grazie alla vicinanza dell'aeroporto al suo liceo e all'arrivo, saltuariamente, di qualche band...

"Qualche anno dopo, e dopo una bella gavetta passata a fare e vendere foto dei gruppi che passavano dalle parti di Hollywood, sentii parlare del festival pop di Monterey.

Piero Pelù, sembrò aver inavvertitamente perso il controllo del suo microfono, colpendo l'uomo. Quel che più ha indisposto i presenti, sono state le mancate scuse del frontman e di tutta la troupe.

La vicenda non si è conclusa qui: scattò anche una denuncia nei confronti di Piero Pelù. Così iniziarono anche le polemiche e i due schieramenti. Da una parte, il pubblico, accusa il modenese di essere in cerca di pubblicità, e lui, tramite Facebook, ha replicato dicendo: “Non ne ho certo bisogno. Il punto è un altro, ‘e se quel microfono lanciato per aria avesse centrato sulla testa una bambina?’ L’altra sera ne ho visti di papà e mamme con i figli al concerto di Pelù”.

Ad esempio, a trent'anni, David Bowie era già all'apice del successo o era ancora un Mr. Nessuno?

A rispondere a queste domande esistenziali ci ha pensato un sito spuntato online, per i veri fan del Duca Bianco. Si chiama Supbowie, e ha risposte davvero per tutti, qualsiasi sia la tua età. 

Ad esempio, hai trentun'anni? Cosa avrà mai fatto Bowie una volta raggiunto quel traguardo? Te lo dice Supbowie: "Ha recitato nel film "Just A Gigolo", l'ultimo film di Marlene Dietrich. Diretto da David Hemmings."

Vuoi provare? Clicca qui!

David Magnus ebbe un vero e proprio colpo di fortuna, giusto all'inizio della sua carriera. Dopo aver trovato lavoro presso lo studio fotografico di Jermyn Street, venne spedito a spiare un giovane gruppo pop durante una delle loro esibizioni alla Stowe School. Erano i Beatles...

Le foto piacquero molto, moltissimo, e a Magnus fu dato libero accesso agli eventi della carriera della band.

Qualche anno dopo, nel '67, i Beatles diventarono i protagonisti della prima trasmissione televisiva in contemporanea mondiale: la BBC mise in onda un edizione del programma Our World, in diretta nei cinque continenti, con un pubblico di 400 milioni di persone. La band si collegò direttamente dagli Abbey Road Studios di Londra, ed eseguirono, in prima assoluta "All You Need Is Love". Inutile dire che segnarono un altro strike nella storia mondiale.

Magnus fu il prescelto. Colui che avrebbe documentato tutto l'evento. Ebbe l'accesso esclusivo alle prove, allo spettacolo dal vivo e al backstage. Molte di quelle fotografie, divennero un simbolo e alcuni scatti, mai visti prima, sono stati esposti ad una mostra esclusiva alla Proud Galleries nel Chelsea. Nel caso in cui non possiate permettervi un biglietto aereo, ci pensiamo noi a mostrarvi alcuni di questi incredibili scatti. Date un'occhiata qui sotto!

"La parola 'Metal' non mi è mai piaciuta":

Ecco una dichiarazione del cantante dei Korn, Jonathan Davis, quandi è stato intervistato da Whiplash, condotto da KLOS Full Metal Jackie...

Davis, ha parlato anche del processo di "scrittura creativo" di un brano, e ha detto: "C'è una cosa che accomuna tutti gli album, ossia provare e sperimentare, fare le cose in modo differente, non mi piace ripetermi quando scrivo musica. Per me e i ragazzi è difficile, ma non potremmo accettare di fare le cose allo stesso modo. Ci sono ban che possono farlo, gli AC/DC ripetono un record più e più volte, ma noi non siamo gli AC/DC, a noi piace cambiare continuamente, evitare la noia."

John Cale è un musicista gallese, compositore, cantautore e produttore discografico.

E' stato uno dei membri fondatori dei Velvet Underground nei primi mesi del '65, insieme a Lou Reed, anche se è più noto per il suo apporto al mondo della musica rock come solista. Dal momento della sua dipartita dai Velvet Underground nel '68, ha pubblicato più di trenta album.

E' nato il 9 marzo del 1942 a Garnant, nel Galles. Inizia a parlare la lingua inglese solo a 8 anni, e prosegue i suoi studi spostandosi a Londra e iscrivendosi all'università. Dopo la laurea viaggia per gli Stati Uniti dove continua i suoi studi sulla musica d'avanguardia e incontra diversi compositori, vittima del fascino dei nuovi movimenti artistici anglo-americani.

Residente a Los Angeles da trentacinque anni, Steve Jones ha raccontato la sua storia nell’autobiografia Lonely Boy. Oggi pratica la meditazione e fa da testimonial al programma in 12 passi per uscire dalla dipendenza dall’alcol.

A differenza di altre biografie rock, non hai addolcito nulla.
"La vita non è mai sempre tutta rose e fiori e non lo sarà mai. Non so perché la gente debba sempre raffigurarla come se ogni volta ci sia il lieto fine. La vita è una stronza puttana, dall’inizio alla fine."

Hai descritto la dinamica interna ai Sex Pistols come una lotta. Pensi che il fatto che non vi potevate soffrire vi abbia reso così efficaci?
"Credo di sì. Penso che sia così per un sacco di gruppi. Ci deve essere sempre una qualche strana dinamica perché la cosa funzioni. Hai citato l’apparizione a Today come lo spartiacque nella storia dei Pistols."

Ti sei mai pentito di tutta quella faccenda?
"Sinceramente, non saprei che dire. Fu una di quelle cose che accaddero nel momento più giusto. Forse, in fin dei conti, le cose dovevano andare precisamente così. Sarebbe stato anche carino andare avanti così come avevamo fatto fino a quel momento, ma direi che le cose non si muovevano abbastanza rapidamente.  Iniziavamo a essere conosciuti grazie al «New Musical Express» e la gente iniziava a venire ai concerti vestita da punk. Ma la cosa con Grundy portò tutto a un livello mai visto prima. E per quanto potente, fu anche l’inizio della fine. Non credo che fosse stato programmato. Andandocene dallo studio Tv in auto, McLaren si stava cacando sotto – reagiva così a un sacco di cose – ma poi il giorno dopo quando vide le reazioni della stampa se ne assunse il merito."

Credi che i Pistols avrebbero dovuto durare più a lungo?
"Avremmo potuto andare avanti, e poteva anche essere una cosa buona, ma non credo sarebbe successo. Mentre eravamo negli USA e ci dirigevamo verso sud, cercammo di scrivere un paio di brani, ma non ci stavamo con la testa. Se avessimo provato, forse saremmo riusciti a realizzare un altro disco, ma con Sid nel gruppo le dinamiche erano cambiate."