6. 1967-1968 Giles, Giles and Fripp

Alla fine dell’agosto 1967 prende forma il primo nucleo che porterà alla nascita dei King Crimson: si tratta di tre musicisti provenienti della stessa area geografica, ma dal background sociale e musicale piuttosto differente.

16. 1969-1970 Alla corte del Re Cremisi

Il 10 ottobre 1969 la Island Records pubblica uno dei dischi più rivoluzionari e influenti dell’intera storia della musica occidentale: quello che segna l’esordio dei King Crimson, una band che sembra uscita fuori dal nulla.

36. 1970-1972 Il passo necessario

Qualunque cosa Peter Sinfield e Robert Fripp avessero fatto, sarebbe stata sbagliata.
Ma dovevano farla per arrivare dall’altra parte.

46. 1972-1974 The road to RED

Con l’arrivo di Bill Bruford, Jamie Muir, David Cross e John Wetton, i King Crimson diventano una band magica e incidono un album che per Fripp rappresenta la discesa dello Spirito nella materia

60. ROBERT FRIPP La musica crea il musicista

Chi è davvero Robert Fripp, al di là delle opinioni correnti e dei giornalismi condivisi? Non è una domanda dalla facile risposta. Per fornire una traccia, sarà preferibile dunque individuare alcuni punti essenziali e soprattutto dar voce a Fripp stesso.

A cura del giornalista Alessandro Staiti, tra i massimi conoscitori italiani dei KING CRIMSON e dello stesso Robert Fripp, anima del gruppo, più volte incontrato e intervistato dall’autore. Il volume indaga con precisione e meraviglia la discografia e le diverse formazioni che negli anni hanno contraddistinto il suono e le sperimentazioni del gruppo dal 1967 al 2022, i dischi e i musicisti incredibili che, sempre al servizio della musica, hanno animato la corte del Re Cremisi.

IN THE COURT OF THE CRIMSON KING vede la luce il 10 ottobre 1969. Per Pete Townshend degli Who è un "capolavoro inquietante", sembra venir fuori dal nulla. Non ricalca nessun genere e ne fonda uno. L'underground diventa colto e si trasforma in qualcos'altro, che poi verrà etichettato come progressive rock, operando una grande rivoluzione estetica rispetto al rock/blues dell'epoca.

La complessità dell'architettura compositiva è impressionante, almeno quanto il virtuosismo e l'originalità stilistica di ogni membro della band. ITCOTCK è l'unico documento in studio della prima incarnazione dei King Crimson, quella che partecipò allo storico concerto di Hyde Park dei Rolling Stones e che precocemente si sciolse al termine del primo tour negli USA, nel dicembre 1969.

Nel lessico di Robert Fripp, un'incarnazione dei King Crimson è definitiva quando "dopo niente è più lo stesso, qualcosa è cambiato". In questo senso, la line-up originale dei King Crimson è una formazione definitiva. Perché dopo IT-COTCK il rock non è stato più lo stesso.

5 FRANCESCO DI GIACOMO: Dieci anni dopo

12 COVER STORY CAPOLAVORI PROG 1974: PFM, LE ORME, AREA, PERIGEO

32 BARK PSYCHOSIS: HEX compie 30 anni

35 MACROSCREAM: Finalmente il terzo album

38 ZOPP: Oltre Canterbury

41 STEVE HACKETT: From Steve to Armando

52 UNITOPIA: La ripartenza

56 KING CRIMSON: Three of a perfect pair (1984)

64 ELLESMERE: Mondi Capovolti

67 DUNCAN MACKAY: Camel, Alan Parsons Project, Kate Bush, e altre storie

Il 4 dicembre 2014 uscì il numero 0 di «Prog Italia» con in copertina Francesco Di Giacomo, scomparso il 21 febbraio di quello stesso anno. Nel 2019 lo abbiamo ricordato con il 33 giri inedito LA PARTE MANCANTE, realizzato insieme a Paolo Sentinelli, pubblicato per l’anniversario dei cinque anni dalla morte e distribuito, solo nelle edicole, da Sprea Editori.

A febbraio «Prog Italia» non esce, essendo bimestrale, ma dovevamo salutarlo in qualche modo per l’anniversario dei dieci anni, così ho coinvolto per l’articolo a lui dedicato, che apre la rivista, alcune persone con cui Francesco ha condiviso tanto: Gianni e Vittorio Nocenzi, con cui ha vissuto la storia del Banco Media partner del Mutuo Soccorso, Antonella Caspoli, che ha amato e
sposato, persona che mi ha permesso di rendere reale LA PARTE MANCANTE, Paolo Sentinelli, pianista e compositore della musica di quel disco bellissimo (nel 2019 entrò nel lotto dei tre finalisti della Targa Tenco come miglior album dell’anno) e Andrea Satta dei Têtes de Bois, artista e in podcast su particolarmente vicino a BIG. Ho preferito lasciare spazio a loro, perché io ogni due mesi posso appuntare le mie emozioni sulla “nostra” rivista…

Il risultato è davvero eccellente a livello compositivo, esecutivo, missaggio, masterizzazione, grafica, concept della storia e testi... insomma un "discone", progressivo senza "vergogna" di chiarirlo sin dal primo approccio sonoro.

Il disco, che ha personaggi ben descritti come la madre, il figlio e il soldato, nasce per riflesso all’invasione russa dell’Ucraina. Cristiano Roversi era già a buon punto con il nuovo album dei Moongarden, ma ha sentito l’esigenza di affrontare una situazione terribile come una guerra dietro casa che rischiava, e a tutt’ora rischia, di portarci a un conflitto mondiale con tutti gli scenari apocalittici che ne deriverebbero. Che sorta di futuro si prospettava in un mondo devastato da una guerra totale? Che genere di vita sarebbe stata crescendo in un simile mondo? Nasceva così una storia, quasi un film in musica, testimonianza anche di un dramma familiare durante la fine del mondo, come capita in tutte le guerre. Che ricordo avrà il figlio del padre responsabile della fine della civiltà? Cosa resta della propaganda ideologica quando le rovine del nostro mondo sono ormai coperte da ceneri radioattive? Cosa rimane del vanto dell’avere “Dio dalla propria parte” quando l’unico credo sarà la sopravvivenza?

A distanza di 50 anni da DEDICATO A FRAZZ, capolavoro del prog nazionale, la band romana torna con un nuovo stupendo album: LA FINE NON ESISTE. Nostalgia? Potere della musica? Ci spiega tutto il batterista Paolo Faenza.

Dalla reunion di qualche anno fa sono mancati Maurizio Zarrillo e Giampiero Artegiani. L’esperienza dei Semiramis sembrava finita, poi sei ripartito con dei musicisti giovani. Cosa ti ha spinto a non arrenderti?
Non è stato facile. Maurizio era la band, Giampiero lo consideravo mio fratello. Ti confesso che volevo mollare tutto, ma gli altri mi hanno convinto ad andare avanti. C’era come la sensazione che “loro” avrebbero voluto così. Il titolo LA FINE NON ESISTE arriva anche da questo.

Introduzione

5 MOON SAFARI Dieci anni dopo

Copertina

8 COVER STORY PETER GABRIEL 1977-2023 – I/O & Other Stories

Storie e Protagonisti

34 SID SMITH: Le storie di Sid

46 KEEF HARTLEY BAND 1969-1973

Protesta attraverso il Prog

52 MOONGARDEN: Prog contro la guerra

Formati Progressivi

58 EARTHSIDE: Prog in formato panoramico

Il Segno del Comando

62 IL SEGNO DEL COMANDO: Trilogia atto finale

Suoni e Visioni

65 CARLO MASSARINI: Suoni e visioni

Big Big Changes

70 BIG BIG TRAIN: La prima volta senza David

Un Anno Speciale per Bill Bruford

76 BILL BRUFORD 1979: ONE OF A KIND

Demetrio Stratos

84 DEMETRIO STRATOS: La voce

Il Viaggio Continua con Trip/Pino Sinnone

91 TRIP/PINO SINNONE: Il viaggio continua

Quarant'anni in Televisione con French TV

94 FRENCH TV: Quarant’anni in televisione

Intervista a Neal Morse

98 NEAL MORSE: Intervista

Closure in Moscow: Il Disco Inferno

101 CLOSURE IN MOSCOW Disco inferno

Per concludere

110 MARCO MACHERA: A caccia di sogni

Acquista l'ultimo numero di PROG, disponibile in edicola e online!

“Intelligenza artificiale? Sì, no, forse? Soprattutto come e con quali regole? NO IA MAGAZINE chiarisce la posizione di «Prog Italia», contro ciò che permette a chiunque di produrre illustrazioni senza aver mai disegnato in vita sua, ovviamente appoggiandosi all’immenso database, che cresce a un ritmo vertiginoso, nutrito con qualsiasi “cosa”... naturalmente fregandosene dei diritti del materiale di partenza. Nessuno può/vuole fermare il futuro, ma sulla nostra rivista non saranno MAI utilizzate illustrazioni così create.

Dietro alle nostre ci sarà sempre qualcuno che potremo chiamare per nome, partendo dai disegnatori che ci donano la loro arte, quindi Giuliano (Piccininno), Giampiero (Wallnofer), Lorenza (Ricci), Fabrizio (Pasini), Pietro (Scuderi). Questo vale anche per la musica, le copertine, le foto ecc...

«Prog Italia» è una zona libera da IA e intende rimanerlo

di Antonio Bacciocchi

A cinque anni da VIVI MUORI BLUES RIPETI, il duo romano torna con un album in cui psichedelia, il loro classico rock blues contaminato e una totale libertà espressiva e creativa. A loro la parola.

THE NEXT BIG NIENTE è fortemente sperimentale. Com’è nata l’idea di un album così sperimentale?

Adriano Viterbini: Abbiamo registrato quello che avremmo voluto ascoltare, cercando di coniugare lo spirito live con l’energia che ci caratterizza. È un album duttile dove la musica è voluta mente svincolata dalla forma canzone, ma raccontata con immagini quasi cinematografiche.

C’è molta attitudine psichedelica, ma anche certe sonorità “desert rock” tipo Bombino, Tinariwen o Moda Moctar. È un riferimento?

Adriano: Sono sonorità che fanno parte del presente. Certe cose le abbiamo ascoltate, digerite e fatte nostre. Anche se non volevamo certo fare world music! A noi piace collaborare a progetti diversi dal nostro e di conseguenza quel background poi salta fuori, soprattutto quando fai cose non pensate o progettate.

Tratto dall’articolo di Gianluca De Rossi comparso su Prog 23.

STORMWATCH è il tredicesimo album in studio dei Jethro Tull, con cui si chiude la cosiddetta trilogia folk iniziata con SONGS FROM THE WOOD nel 1977 e proseguita poi con HEAVY HORSES nel 1978.
Se questi primi due capitoli esprimevano una concezione positiva e gioiosa della natura, il terzo, invece, sembra presagire la vendetta della stessa sull’uomo che l’ha violentata. Il concetto viene chiaramente rappresentato nel retro della splendida copertina: un gigantesco orso polare distrugge una base petrolifera nei ghiacci, davanti allo sguardo preoccupato e impotente dell’avvista-tempeste, che sulla front cover ha le fattezze dello stesso Ian Anderson.

Al di là delle tematiche ecologiste, l’album rappresenta un punto di frattura nella storia della band, portando di lì a poco allo scioglimento della formazione classica. Il bassista John Glascock verrà a mancare pochi mesi dopo la
pubblicazione del disco a causa di una malformazione cardiaca congenita, ed è presente in tre sole tracce (Flying Dutchman, Orion, Elegy), mentre Barriemore Barlowe, John Evan e David Palmer lasceranno la band nel 1980 a seguito dell’uscita di A, concepito in origine come album solista di Anderson e poi invece pubblicato a nome Jethro Tull all’insaputa dei vecchi musicisti.

Per tutti questi motivi, l’atmosfera che si respira in STORMWATCH è quella di una storia bellissima dall’epilogo triste, l’inevitabile fine di un’era gloriosa, il che lo rende piacevolmente malinconico e terribilmente romantico allo stesso tempo.

Emblematici, a tal riguardo, i due brani più belli: l’epica Flying Dutchman, ispirata alla leggenda marinaresca dell’olandese volante, ed Elegy, composta da David Palmer sulla falsariga dell’Aria sulla IV corda di J.S. Bach. Da menzionare inoltre la cupa Dark Ages, la frenetica North Sea Oil, dallo sferzante testo ecologista, l’acustica Dun Ringill che prende il nome da un forte risalente all’Età del Ferro, situato nell’Isola di Skye, e la strumentale Warm Sporran, così orgogliosamente scozzese, arrangiata con cornamuse e mandolini.

L’articolo integrale su Prog 23 che si può acquistare qui.

Ancora e forse più di ieri, Gianni Leone è un divo. Lo è sia che cammini per la strada, ordini un piatto vegetariano al ristorante o si esibisca sul palco con un timbro, un’estensione vocale e una padronanza della voce che fanno venire i brividi, una incredibile bravura e sicurezza alle tastiere e con gli altri strumenti, e una teatralità ogni volta rinnovata, fatta di glam, abiti unici, trucco, invenzioni, movimenti e comunicazione col pubblico che va ai suoi concerti come si recasse a un rito

Un estratto dell’articolo di Susanna Schimperna comparso su Vinile 19

L’aggettivo che viene spontaneo accostargli è “esagerato”, e lui ne sorride citando Oscar Wilde: “L’arte, per se stessa, è una forma di esagerazione”.  Questo indiscusso maestro del prog non si fa certo spaventare dagli attacchi. Ci è abituato. Da sempre. "Le mie zie e mia madre mi raccontano che fin da bambino avevo la smania di sovvertir le regole. Volevo andare all’asilo con la biancheria sopra e il resto sotto, per provocare. È la mia natura. L’Italia era (ed è) repressiva e cattolica e altrettanto lo sono state la mia famiglia, soprattutto mio padre, e la scuola".

"Quando passai dal pianoforte classico ai gruppuscoli di dilettanti, avevo solo undici anni e già mi vestivo in modo particolare, ma esplose tutto dopo i quattordici: cercavo di imporre il mio modo di essere, e vestire come volevo io mi era indispensabile. Prendevo gli inchiostri colorati per tinteggiare le camicie tradizionali, andavo nei negozi d’arredamento a comprare velluti strani per farmi pantaloni con la vita bassissima, attillati fino al ginocchio e larghissimi fino alle caviglie".

Si favoleggia molto del periodo tra la metà degli anni 60 e la metà dei 70, che sono poi quelli che hanno visto la nascita del prog e del Balletto di Bronzo. Cosa rimpiangi di quei tempi?
È un periodo mitizzato, pieno di lati negativi. La tv aveva solo due canali in bianco e nero, con la tetraggine dei Tg, c’era l’austerity, la moda non era di moda, tutto quello che esulava dalla norma era trasgressivo, era difficile mantenere la tua identità, era una battaglia continua.

Ma quando incontravi qualcuno come te, non potevi sbagliare: era un lottatore che si era messo contro la famiglia, la società, tutti. Oggi però tutto sembra normale, e se quello era oscurantismo, repressione, questa è follia. All’epoca l’esperienza con la droga aveva una sua valenza, si pensava che aprisse la mente, amplificasse la creatività, c’erano i supporti culturali. Adesso c’è questo abominio dello sballo in un’età in cui noi giocavamo col trenino, ci si sballa e non si sogna nemmeno, è come prendere una martellata in testa e barcollare.

Io avevo tredici anni e nei gruppi in cui suonavo erano tutti di almeno due o tre anni più grandi di me, ed evidentemente erano persone giuste, perché feci questa esperienza nel modo più sereno e allegro immaginabile, aiutato anche dalla mia natura virginea a non restarne coinvolto, men che mai dipendente.

Tre anni di delirio, sesso, droga e rock & roll

Siamo nel 1971, il Balletto ha già pubblicato il 45 giri Neve calda e il 33 giri SIRIO 2222, con musica rock blues. Tu entri e andate a vivere in un casale a Rimini. Tre anni di delirio. Davvero sesso, droga e rock & roll. Solo? Di più. Eravamo proprio sfrenati. Più che altro io e il batterista, perché gli altri avevano ragazze fisse con cui convivevano, per esempio Lino Ajello aveva una fidanzata svedese che è poi diventata la prima di tre mogli, tutte svedesi perché a un certo punto lui si trasferì in Svezia. Dicono di liti tra noi, per niente. Siamo tuttora molto amici. Le povere fidanzate non si aspettavano quella bolgia, quindi malumori... giustificatissimi. Io avevo addosso donne e uomini, ma ero libero. Donne e uomini, sì, perché ero efebico non avevo nemmeno la barba.

Erano situazioni estreme, la normalità era l’eccesso. Una notte il batterista prese la nostra auto, quella che usavamo per gli spostamenti, e strafatto fece correndo come un pazzo tutto il lungomare, cappottò, lasciò lì la macchina. Si guidava senza patente, non ce l’aveva nemmeno lui. Quando tornò al casale nessuno disse niente, perché di episodi così ce n’erano continuamente. Storiacce, furti, si tornava dai concerti e nei letti si trovavano persone di ogni genere, non si pensava a mangiare né a dormire, bisognava farsi e suonare. Io ero molto giovane e stavo appena cominciando a capire che fosse il sesso, ma, come in tutto, una volta iniziato non vado piano ma a duemila, salvo poi capire a che punto è il mio equilibrio.

Così il delirio, seppure organizzato (come lo definisce bene Gianmaria Consiglio nel suo libro Il Balletto di Bronzo e l’idea del delirio organizzato, ed. Eclysse), mi stufò. Andò via prima il bassista Vito Manzari, poi Ajello. Rimasti soli, io e Gianchi (Giancarlo Stinga) cominciammo a raccattare musicisti ovunque per suonare, pure gli autostoppisti. Chiedevamo: dove vai? a Milano? hai la patente? sai suonare? salta su e guida, poi sentiamo come suoni. Incidemmo in due l’ultimo 45 del Balletto di Bronzo, Donna Vittoria, che ancora mi piace (ispirato alla moglie dell’allora Presidente della Repubblica Giovanni Leone) e La tua casa comoda, che era una canzone sciocchina, ma mi consentì di capire che potevo diventare solista, perché lì suonai tutto io, pure la batteria.

A marzo ’72 il Balletto di Bronzo registra il secondo album, YS, il cui brano omonimo è considerato da molti il capolavoro del prog. Perché i brani, tutti tuoi, sono firmati da una donna?
Ero un ragazzino, non iscritto alla Siae. Questa anziana signora napoletana, mai incontrata né allora né poi, mi fece allora da prestanome, con l’intesa che i diritti arrivassero tutti a lei ma ce ne avrebbe data una parte. Negli anni 90 mi arrivò voce che il Balletto fosse diventato famoso nel mondo, quindi mi caricai e chiamai la signora, dicendole che poteva tenersi i diritti ma avrei voluto vedere il mio nome sull’album. Trovai una persona gentile che in dialetto napoletano mi disse “Vabbe’ guagliò, aggio capito” e seguì il suggerimento della Siae per risolvere la faccenda: firmò un documento in cui si autoaccusava. Non servirono avvocati.

Mi riappropriai della paternità e ufficialmente, nel ’95, tornai con la formazione Il Balletto di Bronzo, tenendo a Terni, a ottobre, il primo concerto. Vidi gente arrivare da tutta Italia e mi sembrò un miracolo. Ancora più stupefacente quando fui chiamato negli Stati Uniti. Per anni non avevo fatto promozione, ignoravo che avessimo ancora tanto pubblico. All’estero eravamo accolti in modo pazzesco. Locali pieni, a Tokyo gente che veniva all’aeroporto col mio disco in mano. Una parte di me ne soffriva: dove eravate quando io negli anni 80 odiavo la musica e non toccavo nemmeno la tastiera?

L’intervista completa su Vinile 19.

5. DIVAE PROJECT: Riflessioni progressive

8. COVER STORY | EMERSON LAKE & PALMER 1973-2023: 50 anni di BRAIN SALAD SURGERY

32. ATOMIC ROOSTER: La morte ti cammina alle spalle

42. PINK FLOYD 1965-1973: Live concert book

52. FAR CORNER: Chamber rock e altre storie

58. ROBERT FRIPP & DAVID SYLVIAN: The first day (1993)

67. IRENE BUSELLI: On the border

72. YES: Inside 90125

Di Leandro Cioffi (Emersonology FB Group)

Tratto dal prossimo numero di PROG, da domani in edicola e da subito disponibile su Sprea.it!

1. Keith Emerson, trasferitosi in California nella prima metà degli anni Novanta, acquistò una moto Harley-Davidson 1300 cc facendo dipingere sul serbatoio il quadro di Giger con lo strumento prediletto dal Maestro svizzero, ossia l’aerografo. Purtroppo nel settembre 2002 ignoti violarono il garage del suo appartamento a Santa Monica e, nonostante antifurto e lucchetti, la trafugarono come già era avvenuto nel 1983 alla mitica Norton lasciata per pochi attimi davanti a un pub di King’s Cross. Il valore della Harvey era di circa 60.000 dollari: “Certe cose fanno venire voglia di trasferirti in Alaska!”, dichiarò con grande dispiacere.

2. La cantante francese Mylène Farmer, affascinata dalla suggestiva immagine femminile ispirata dalla compagna di Giger, in occasione del suo tour a cavallo del millennio e in accordo con Giger stesso ne fece costruire una statua alta 11 metri, che si apriva in due (guarda caso), dalla quale fuoriusciva e sulle cui mani si esibiva. Per costruirla ci vollero sei mesi di lavoro e 150 operai, capitanati dal designer Guy-Claude François, con una spesa di 300.000 euro. L’introvabile statuina prodotta a corredo del doppio Cd live ha raggiunto quotazioni interessanti, mentre oggi alcune parti della grande Iside (secondo la definizione che ne dette la cantante) sono installate nei giardini della cittadina provenzale di Vaucluse. Quanti ELP fan avranno assistito a quel tour solo per vedere il palco?

Questo è l’ultimo numero targato 2023, però come al solito mi coglie quasi di sorpresa. Penso al lungo cammino percorso e, soprattutto, provo a “buttare” l’occhio a quello da fare, ragionando sul futuro di «Prog Italia». Ogni momento di questa storia è importante, però due sono particolarmente emblematici: venerdì 5 dicembre 2014 e lunedì 15 giugno 2015, ovvero le uscite in edicola del numero zero (speciale del rock italiano anni Settanta) e del numero uno. Ammetto, come detto altre volte, che mai avrei immaginato di scrivere queste mie riflessioni sul numero 51 di «Prog Italia».

Qui di seguito gli anni da quando la rivista è in circolazione, lasciando da parte il 2014. Leggendoli in questo modo fanno una certa impressione: 2015-2016-2017-2018-20192020-2021-2022-2023!!! Niente male per una rivista “strana” come «Prog Italia». L’ormai imminente 2024 sarà particolarmente importante perché ci vedrà molto attivi sul territorio, tra concerti, festival, radio, dischi, seminari e iniziative varie allo studio.

Un breve estratto dell’articolo di Luca Benporath comparso su Prog 23, in edicola. 

Le cronache recitano che Faber andò a vedere la PFM durante il tour di PASSPARTÙ nell’estate del 1978 e rimase affascinato – anche se inizialmente titubante – dall’idea di essere accompagnato da quello che all’epoca era il gruppo italiano più conosciuto all’estero. In realtà De André ci aveva già provato quattro anni prima facendosi accompagnare dai New Trolls nel suo primo tour solista, ma in quella occasione la band si era limitata a eseguire i pezzi del cantautore genovese nella loro versione in studio.

Amico Fragile risulta una delle opere più grandi della musica cantautoriale

L’autunno del ’78 venne passato dalla band a dare un nuovo vestito ai brani di De André (il quale aveva appena pubblicato il fortunato RIMINI) e nel dicembre del 1978, appena prima di festeggiare il Natale, il tour partì. Chi scrive ha avuto l’enorme privilegio di assistere a un concerto di quel tour – nel pessimo Palalido di Milano – ma di esserne uscito affascinato da quella poesia che erano i pezzi di Faber. In origine, il live che viene tratto da quei concerti, registrato a Bologna e Firenze, doveva essere un singolo. Dopo il successo strepitoso viene deciso di pubblicare il secondo volume, che tuttavia non riesce a testimoniare l’intero show, mancando ovviamente i pezzi propri che la PFM eseguì durante lo spettacolo.

Per il resto c’è tutto: da Rimini e Zirighiltaggia agli evergreen Bocca di Rosa e La canzone di Marinella. Ma soprattutto c’è IL brano, quell’Amico fragile il cui assolo finale di Francone Mussida risulta una delle opere più grandi che la musica cantautoriale abbia mai potuto esprimere. Il tour, a causa di afonie varie di Faber, contestazioni continue (al PalaEur di Roma De André fu costretto a fermarsi e parlare con i contestatori per ristabilire la calma) e la cancellazione delle date in Sud Italia, durò poco più di un mese, terminando il 1° febbraio a Trieste dopo 29 esibizioni. Nel 2004, a 25 anni di distanza, ho avuto la fortuna di rivedere la “prima” della riproposizione da parte di Di Cioccio e compagni di quel tour, nello stesso teatro Tenda a Firenze dov’era stato registrato l’album live. I brividi, come nel 1979, li ho sentiti comunque, anche senza Faber.

Un estratto dell’articolo di Gianluca De Rossi  comparso su Prog 23

Joe Vescovi nasce a Savona il 1° gennaio del 1949. Alla fine degli anni 60, diventa il tastierista dei Trip, unendosi al bassista anglo-norvegese Arvid “Wegg” Andersen e al chitarrista inglese Billy Gray; con l’aggiunta del batterista piemontese Pino Sinnone, la prima line-up dei Trip è pronta a dar vita alla “musica impressionistica” del loro primo omonimo Lp (1970), frutto della commistione tra i vari generi in voga in quegli anni: beat, psichedelia, hard rock, blues.

Ma è con l’album successivo, CARONTE (1971), che il sound dei Trip giunge a maturazione e Vescovi diventa sempre di più il centro focale e propulsivo della band.  Dopo la sfortunata partecipazione alla manifestazione Controcanzonissima del gennaio del 1972, in cui i Trip subiscono il furto degli strumenti, Billy Gray lascia per intraprendere la carriera solista, seguito poco dopo da Pino Sinnone. A quel punto Vescovi e Andersen scelgono di continuare come trio, con l’aggiunta del giovane e talentuoso batterista torinese Furio Chirico, portando a compimento un percorso musicale sempre più articolato e complesso, che sfocerà nella genesi dell’album capolavoro dei Trip: ATLANTIDE (1972).

La formazione in trio mette Vescovi al centro della musica

La formazione triangolare, ispirata, come tante altre dell’epoca, agli Emerson Lake & Palmer, pone Vescovi ancor più al centro del discorso musicale; dalle sue tastiere, infatti, scaturiscono le trame che, attraverso le 8 tracce del disco, danno forma al concept dell’ascesa, splendore e distruzione del continente sommerso, attraverso l’uso sconsiderato dell’Energia ad opera del folle e tirannico Leader. Vescovi, tuttavia, usa essenzialmente due sole tastiere: l’inseparabile organo Hammond C3, utilizzato in tutta la gamma sonora già sperimentata in passato e perfezionata negli anni, compreso un pedale wha-wha (Ora X) e il Farfisa Professional Piano, con il quale disegna magistralmente sospesi paesaggi acquatici, oltre all’organo da chiesa (Analisi) e un generatore di frequenze per gli effetti sonori (Distruzione). Nonostante l’album sia un successo di pubblico e di critica, i Trip vengono abbandonati dalla RCA e realizzano l’album successivo, TIME OF CHANGE (1973), per la neonata Trident di Maurizio Salvadori.

La proposta musicale diventa ancora più difficile e d’avanguardia, presentando sulla prima facciata un unico lungo brano, Rhapsodia, in cui Vescovi da libero sfogo a tutto il suo talento compositivo ed esecutivo, arricchendo la sua strumentazione con il sintetizzatore e una tastiera per riprodurre la timbrica violini (anche se Joe riveler in un’intervista di aver supplito alla mancanza di una vera orchestra solo per motivi pratici ed economici).

Dopo lo scioglimento dei Trip, Vescovi si unisce prima agli Acqua Fragile (preferendo il complesso emiliano al Rovescio della Medaglia) e poi ai Dik Dik, con i quali collabora fino a tempi più recenti. Diventerà poi tastierista della band di Umberto Tozzi e fonderà in seguito i Tarrot, prendendo parte, insieme a Mussida e Di Cioccio della PFM, alla colonna sonora del film Attila flagello di Dio del 1982.

Dopo la reunion al Prog Exhibition del 2010 e la tournée in Giappone dell’anno successivo, Arvid Wegg Andersen muore il 31 marzo del 2012, seguito da Vescovi il 28 novembre 2014. Il testimone della musica dei Trip passa ora a Pino Sinnone, affinché la leggenda dei Trip sopravviva ancora e per sempre.