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"Edge mi ha piazzato un bel pugno", ha detto Bono, mimando l'impatto di un colpo al lato della faccia. "Mi ha colpito molto, molto forte.” Nel libro "U2 by U2", la band ha fornito ulteriori dettagli sull’incidente. "Avevo dato il via a una canzone, e Larry non era entrato", ha spiegato Bono. "Ho ricominciato il conto, e lui non è ancora partito. Ho guardato intorno; sembrava che si stesse nascondendo dietro la batteria, dal mio sguardo fulminante. Così ho preso la batteria per mostrare al pubblico il batterista nascosto, e l'ho lanciata tra la gente."

"Mi ha inseguito intorno alla batteria, voleva uccidermi con un asta del microfono", ha raccontato Larry Mullen Jr.. "Sono corso allo spogliatoio, correndo per la mia vita. Edge è intervenuto e si è preso uno schiaffo mentre cercava di salvarmi.”

"Edge mi ha dato un pugno", ha ricordato Bono. "È stata una vera rissa, con tutti i membri della band che mi prendevano a botte, e io che ricambiavo. Era una pantomima pura…ma Edge sa tirare un pugno. C'è una lezione qui: non litigare mai con un uomo che si guadagna da vivere con la coordinazione occhio-mano."

Fonte: Paul Brannigan, Loudersound

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«Gli Yardbirds erano sempre stati fantasticamente sgargianti, imperscrutabilmente cool, e favolosamente irraggiungibili»

Gli Yardbirds insomma erano la storia vivente – anche nel 1968. Ma anziché resistere e tramutarsi in un gruppo da Lp, cosa che tramutò i loro contemporanei Who, Kinks, Cream e Stones in superstar mondiali, alla fine degli anni 60 gli Yardbirds stavano per buttare la loro carriera nel cesso. Perché? Il problema, dice McCarty, era che “eravamo disperati. Non volevamo fare un altro tour degli Yardbirds”. Erano mesi che lui e il cantante Keith Relf discutevano tra loro di questa cosa… “Volevamo cambiare. Fare un altro tipo di canzoni, un altro tipo di musica. Qualcosa di più …rinfrescante. Dopo che ogni sera, tutte le sere, suonavi sempre la solita roba pesantissima… ci sembrava tutto senza uno scopo, un obiettivo… ma loro volevano andare avanti." ‘Loro’ erano Dreja e Page. E cazzo, certo che volevano andare avanti. O almeno, lo voleva Jimmy Page.

Quella notte all’Anderson Theatre fu un perfetto momento alla ‘sliding doors’. Basta ascoltare la registrazione live dello show – ora disponibile ufficialmente per la prima volta in YARDBIRDS ’68 (prodotto e restaurato digitalmente da Page e disponibile in diversi formati sul suo sito ufficiale) per capire cosa sarebbe potuto succedere se McCarty e Relf non avescoversero voluto smettere con tanta fermezza: non è esagerato definire il gruppo che suonò su quel palco quella sera i proto-Zeppelin. E non c’è nulla di male nel chiedersi cosa sarebbe accaduto se Page non se ne fosse andato tre mesi più tardi per trovare un nuovo cantante e una sezione ritmica con cui suonare – per creare quello che prima fu annunciato come gli Yardbirds featuring Jimmy Page, poi poche settimane dopo i New Yardbirds. E poi, ancora più improvvisamente, come un’entità del tutto nuova chiamata Led Zeppelin. In effetti, ascoltando il disco dal vivo del ’68, ‘i New Yardbirds’ sarebbe stata una descrizione più accurata della formazione che Page mise assieme nei mesi che seguirono il concerto all’Anderson Theatre. Perché era tutto già là a New York, nel marzo del 1968. Non solo l’impostazione sonora di Train Kept A-Rolling, Dazed And Confused e White Summer – ma anche quell’atteggiamento un po’ spocchioso alla ‘Non provateci nemmeno, siamo di gran lunga superiori a voi tutti’...

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Fate un rock-prog con influenze psichedeliche. Quali sono le vostre fonti d’ispirazione?
(Cinzia) Effettivamente il nostro sound ha un richiamo alla musica rock progressiva e psichedelica. Jethro Tull, Gentle Giant, Uriah Heep e altri ancora sono sicuramente modelli di riferimento, ma se suonare musica prog significasse solo tempi dispari, suite di oltre 20 minuti e utilizzo obbligatorio di mellotron allora si andrebbe contro il concetto stesso di musica progressiva. Ovviamente, anche noi gli siamo debitori, ma cerchiamo di farne buon uso per proporre qualcosa di nuovo (o almeno tentare di farlo!).

Quali sono stati i percorsi musicali, anche individuali, che vi hanno condotto al vostro sound attuale?
Io (Mike) ascolto da sempre musica rock e heavy metal. Iron Maiden, Deep Purple, Toto, King Diamond e altri ancora fanno parte del mio bagaglio musicale. Ho imparato a suonare la batteria “rubando” dai più grandi! Ognuno di noi attinge al proprio background di ascolti ed esperienze che vanno a confluire e ad arricchire nelle forme più varie il sound della band. Io e Raffaele, chitarrista dall’anima blues, ai tempi del liceo, un po’ come Brian May e Roger Taylor dei Queen, ci incontravamo ogni pomeriggio in un negozio di strumenti musicali e suonavamo insieme per ore, anche con musicisti di passaggio! Mentre Cinzia, che è una musicista più “classica”, ha avuto l’onore di conoscere ed esibirsi con Mike Moran, che con i Queen ci ha suonato davvero!

Quanti album avete all’attivo e cosa ci dite a riguardo?
(Cinzia) Nel 2012 è uscito il nostro album d’esordio ONCE UPON A TIME, seguito nel 2015 da BACK TO EARTH, entrambi pubblicati dall’etichetta indipendente M. P. & Records. Pur avendo in comune le sonorità rock e la psichedelia, il primo è più spontaneo, vivace e meno “meditato”, mentre il secondo è un vero e proprio “concept” dove la musica si fa più ponderata, la scelta dei suoni è maggiormente curata e il tutto tende verso una dimensione più oscura e introspettiva.

Cosa ne pensate del rock in Italia? E voi, come siete percepiti dal pubblico?
(Raffaele) Questa è una domanda difficile! L’attuale scena rock italiana è ricca di nuovi gruppi di qualità, ma in un mondo musicale dove il pop commerciale “usa e getta” la fa da padrone, il rock trova poco spazio. E’ un vero peccato perché il rock è ascoltato da tutti, anche i più giovani, che vanno ai concerti e comprano ancora i dischi. La situazione realmente drammatica riguarda le band emergenti, come la nostra: molti locali preferiscono le cover band di Vasco Rossi o Ligabue per fare cassa. Nella migliore delle ipotesi, anche tribute band dei Pink Floyd, o dei Queen. Per questo le radio nazionali difficilmente inseriscono un tuo brano nella programmazione, e le possibilità di farsi conoscere si limitano ai social, le radio indipendenti e qualche rarissimo festival di settore.
Il rock non è morto, ma vive nel (e del) passato. Dobbiamo lottare ogni giorno per evitare l’estinzione e, forse, siamo più apprezzati all’estero che in Italia. In generale, quando suoniamo, il pubblico viene catturato dalla nostra musica e questo ci fa ben sperare per il futuro!

Vi siete aggiudicati il contest di «Classic Rock» con il brano Lady Viper, “la donna vipera”. Cosa si cela dietro a questo pezzo?
(Raffaele) È una metafora che descrive il dualismo tra la paura di cedere alle tentazioni e il desiderio di farlo. Rappresenta l’eterna lotta tra la ragione e l’istinto, tra il dovere e il piacere. La nostra “Lady Viper” è una figura femminile “velenosa”, una sorta di sintesi tra Eva, la prima donna, e il serpente dell’Eden, che attira
a sé l’Adamo di turno, apparentemente intenzionato a resistere al fascino del proibito, ma segretamente desideroso e attratto dalla figura tentatrice e dalla sensazione stessa dell’essere tentato. Cosa fare? Cedere o resistere?

Se vi chiedessimo cosa è cambiato dall’inizio di questo percorso ad oggi, cosa ci direste?

(Mike) Da quel primo EP del 2010 di cose ne sono successe! Il primo lavoro discografico pubblicato nel 2012, un tour europeo l’anno successivo, un secondo album nel 2015, il recente ritorno in Inghilterra con il concerto di Liverpool, la vittoria del contest di Classic Rock Italia! Quando abbiamo iniziato questa avventura non potevamo immaginare di ottenere risultati così importanti. Partire da una sala prove delle campagne umbre e arrivare a suonare a Londra al famoso The Hope and Anchor dove si sono esibiti, tra gli altri, Dire Straits, Clash, Police, Ramones, è un sogno che si realizza, così come partecipare al Balkan Youth Festival in Bulgaria e suonare davanti a migliaia di persone, o condividere il palco con artisti che hanno segnato la tua crescita musicale come i leggendari Biglietto Per L’Inferno, oppure essere l’opening act di Bernardo Lanzetti, cantante storico della PFM. Abbiamo avuto anche momenti difficili, specialmente dopo il cambio di formazione, ma ciò che è rimasto immutato è l’entusiasmo e la voglia di andare avanti, di continuare a crescere e di fare sempre meglio, scrivendo nuova musica e continuando a sognare!

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Musicalmente, si era arrivati a un punto morto: la creatività in città era, per diverse ragioni, ridotta quasi a zero. Si faceva musica come sempre, ma non si inventava quasi nulla. Più o meno, questo avveniva anche a livello nazionale: i cantautori iniziavano a… “cantarsi addosso”, i gruppi rock si impelagavano in un progressive sempre più arzigogolato e perfino la canzone commerciale viveva una fase di grande stanchezza rappresentata dal quasi annientamento del Festival di Sanremo, quasi abbandonato anche dalla televisione. A dare uno scossone all’ambiente musicale ci pensò l’esplosione del punk, ma questo fu solo uno dei mille aspetti che contribuirono all’ebollizione di quegli anni.
Perché se la Bologna del tempo sembrava il solito placido paesone addormentato, sotto la cenere la situazione era culturalmente e politicamente esplosiva. Dal 1975, il Conservatorio G.B. Martini vantava due corsi unici in Italia: Musica elettronica di Gianfelice Fugazza e Musica d’uso di Ettore Ballotta. In quei corsi si stavano preparando alcune delle menti più lucide della musica di quegli anni e di quelli a venire, come ad esempio i produttori Oderso Rubini (ne riparleremo),  Mauro Malavasi, Fio Zanotti e Celso Valli. Poi il Dams, che esisteva da diversi anni, nel ‘77 arrivava a ben 12.000 iscritti tra i quali futuri fumettisti, giornalisti e scrittori come Pazienza, Tondelli, Cacucci, Lucarelli o Iacona. Poi dal febbraio ‘76 trasmetteva Radio Alice, emittente che prima ancora che “incitare alla lotta armata” (questa la motivazione con cui fu chiusa) rappresentava un caposaldo della controinformazione: un microfono aperto a chiunque volesse dire qualcosa, una fonte inesauribile di musica che nessun altro trasmetteva, il catalizzatore di tanta disordinata, caotica e urgente creatività. Tutti questi elementi contribuirono in maniera determinante alla formazione di una “nuova” coscienza giovanile, nuovi gusti, nuove istanze. Proprio tra il ‘76 e il ‘77 prese vita il Movimento Studentesco che rivendicava con enorme forza spazio per idee, fantasia e creatività. Uno spazio che in nessun senso le istituzioni sapevano dargli. E non si trattava solo di rivendicazioni culturali: in una città storicamente governata dal PCI, il “nemico” del Movimento non era la destra italiana (qui quasi inesistente), ma la molto più ingombrante sinistra istituzionale: non a caso, accanto al portone d’ingresso della Facoltà di Lettere campeggiava l’enorme scritta “In Cile i carri armati, in Italia i sindacati”.
Sempre nel 1977, la stragrande maggioranza  degli iscritti al PCI bolognese aveva più di 40 anni: i giovani non si riconosceva più in un partito sempre più condiscendente (a livello locale e nazionale) con la DC, e se ne allontanavano. Di sicuro, chi governava la città non capì (o non volle, o non poté capire) la ricchezza del Movimento e delle sue idee, che erano sicuramente confuse e magari contraddittorie, ma avevano comunque il dichiarato obiettivo di mettere in crisi qualsiasi modello esistente, visto come impedimento alla libera creatività...

Tratto da Classic Rock #27

Refugee era la canzone perfetta, quella che avrebbe sbloccato Petty una volta per tutte

Nel 1979, i due amici non avevano ancora scritto molto assieme, ma Denny Cordell, che in seguito sarebbe stato il loro produttore, suggerì che poteva essere una buona idea. Proprio in quel periodo, Campbell e Petty avevano scritto un brano immaginato come primo singolo di quello che sarebbe stato il disco d’esordio dei Tom Petty & the Heartbreakers, ma non era un granché. Poi Campbell comprò il suo registratore quattro piste e qualcosa cambiò.
“Fu in quel preciso momento che il talento di Mike sbocciò”, ricordava Petty. “Stava sempre a trafficare con quei nastri che preparava a casa sua. Per il nostro terzo album, DAMN THE TORPEDOES, mi portò questi due brani incredibili: Refugee e Here Comes My Girl. Fu lì che si sbloccò”.
Con quel materiale, anche la Musa di Tom Petty si sbloccò: gli ci vollero solo 10 minuti per scrivere un testo da montare sulla musica priva di titolo che aveva ascoltato nella cassetta datagli da Campbell. Ma questa fu l’ultima cosa facile di Refugee.

“Ricordo solo di avergli dato la cassetta dicendogli: ‘Ecco qualche demo’”, racconta Campbell sorridendo. “Non ci pensai più di tanto. Poi, alla successiva sessione di prove, lui mi disse: ‘Ho lavorato sul tuo nastro e ho messo un testo a questo brano’. E io, incuriosito: ‘Davvero?’. Quando me la suonò, rimasi a bocca aperta. Subito dopo, il gruppo cercò di impararla e questo fu un bel problema: cercare di catturare dal vivo con la band la magia di quel demo non era impresa facile e richiese del tempo”.

Dal numero #60 di Classic Rock

Nel passaggio tra i due dischi, il chitarrista Mick Abrahams fu sostituito da Martin Barre. Come mai?
Tanto di cappello a Mick Abrahams: era un ottimo chitarrista, un bravo cantante e teneva il palco benissimo. Ma quello che io volevo per il gruppo non faceva per lui. Lui amava il blues e il r&b. Voleva fare THIS WAS II. Lo convinsi a suonare su Love Story [singolo del 1968, non presente sul disco] ma quando fu pubblicato era già fuori dal gruppo.

Cosa provocò il cambio di direzione? La noia?
Be’, ho sempre detto che il progressive alla base nasce dalla noia di suonare di continuo le stesse cose. E più cresci musicalmente come professionista, più diventi consapevole di cosa puoi realizzare. Volevo fare un sacco di cose. Ad esempio, avevo appena iniziato a interessarmi di musica classica, non solo per starla a sentire, ma ascoltarla a fondo e farsi venire idee. In effetti, c’erano solo due generi con cui non volevo avere niente a che fare: il country & western e qualsiasi cosa che prevedesse una chitarra hawaiana.

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L'ultimo concerto dei Black Sabbath è stato strano, i primi invece facevano schifo

È una sensazione che si è sviluppata man mano che ci stavamo avvicinando a quell’ultimo concerto alla Genting Arena, ma che ho iniziato ad avvertire davvero solo il giorno stesso dello show. Guardavo il pubblico durante le ultime canzoni e c’era gente che piangeva. Sei un idolo per loro e amano ciò che fai, e da una parte mi sentivo come se li stessi deludendo. Che peccato!
Come siamo riusciti ad affermarci partendo da quei giorni, non saprei dirlo precisamente. Suonavamo in posti in cui nessuno era interessato. Oppure posti in cui  a gente pensava fossimo lì per suonare pop. Ricordo una serata in un posto a Egremont, il Toe Bar, dove un tizio si mise a urlare: “Il vostro cantante fa schifo!”. Fu davvero imbarazzante. Ovviamente, con il passare degli anni siamo migliorati, ma abbiamo dovuto educare il pubblico – e anche noi stessi – al nostro tipo di proposta, che era così diversa dal resto. È stato un processo di apprendimento.

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Ma le ristrutturazioni, si sa, mettono le ali ai mattoni. Con incrollabile tenacia teutonica, si pianificò prima la suburbanizzazione delle ex aree orientali (le sole in cui si poteva costruire massivamente), poi furono bonificati i quartieri più degradati in preda agli hausbesetzer, mentre il restyling del centro fu affidato ad architetti di chiara fama: Helmut Jahn (suo l’avveniristico Sony Center presso la Potsdamer Platz), Norman Foster. Una frenesia innaturale partorì quella che fu chiamata la Neue Berlin, ma tra ristrutturazioni, espropriazioni e un’ipervalorizzazione immobiliare che acuì nuovamente il divario sociale, il meccanismo s’inceppò scoperchiando una megalopoli opulenta, dalle potenzialità infinite, ma ancora cicatrizzata e incerta. Orfana grazie a Dio delle sue velleità autoritarie, ma anche di quel torbido fascino antagonista che intorno alla metà degli anni Settanta la trasformò in culla della controcultura europea. Un’isola libertaria in cui bastava essere residenti nel settore Ovest per essere esentati dal servizio militare; che offriva ai potenziali squatter un’altissima disponibilità di case sfitte o abbandonate, e dove i militari, anziché controllare la città, se la spassavano nei nightclub di Charlottenburg, lasciando droghe e prostituzione minorile circolare indisturbate.

Un bengodi quindi per ogni sottogenere di fauna urbana, ma anche per quegli artisti che, come David Bowie, Iggy Pop e Nick Cave, stavano attraversando il loro periodo più chimico, e per questo ne avevano fatto la loro sede operativa. In particolare Iggy e David, che dal 1976 al 1978 condivisero un appartamento in Hauptsraße 155. Dei due coinquilini, però, era David quello più problematico. Iggy stava lentamente resuscitando da un lungo silenzio artistico e personale,  mentre lui, indebolito dalle perversioni californiane, doveva dare un erede a STATION TO STATION, l’album che lo aveva traghettato dal glam al dandy, tumulando definitivamente il mito di Ziggy Stardust. Al suo posto, c’era ora il thin white duke, il gracile duca bianco che con algida eleganza centrifugava rock, ambient e avanguardia, e si presentava solo sul palco con aria aristocratica e decadente, proprio come quella che si respirava a Berlino. Ma Mr Jones non era lì soltanto per quello...

Bowie: Berlino dopo Los Angeles, cercando di non combinare ulteriori disastri...

Doveva dimenticare i chili di cocaina inalati a Los Angeles, tornare a una vita normale, e possibilmente non combinare ulteriori disastri. Per esempio, mandare a monte il matrimonio con Angie, che disgustata dalla sua condotta pensò bene di portare il piccolo Zowie (nato nel 1971) più lontano possibile dal padre, o darsi arie da neonazista procurandosi anatemi da tutto il mondo. Velo pietoso infine sulla sua tossica recitazione in The Man Who Fell to Earth di cui, per sua stessa ammissione, “non capiva nulla di ciò che stesse accadendo”, e il compitino berlinese era presto assegnato: darsi rapidamente una ripulita.
Per qualche settimana a dire il vero non ci riuscì molto bene, complice l’amico tentatore Iggy Pop, col quale fece bagordi nei locali più lubrichi della capitale come l’Unlimited e lo Dschungel sul Kurfürstendamm, e frequentò i peggio ritrovi per gay, escort e transgender. In più, in una notte di fine agosto, e sempre accanto a Iggy, qualcuno lo vide pure guidare come un pazzo, speronando ripetutamente la macchina di un pusher, reo a suo dire di averlo rispettivafregato, ed entrare a ottanta all’ora nel parcheggio sotterraneo del suo hotel urlando di volersi schiantare contro un muro.
La gimcana durò parecchio, fortunatamente la benzina finì prima che accadesse il peggio, e una volta fermi i due sciagurati esplosero in una crisi isterica. Nulla di fatto anche stavolta, l’episodio venne semplicemente ricordato nel brano Always Crashing In The Same Car, ma era ovvio che non si poteva andare avanti così.

Probabilmente David non ce l’avrebbe fatta da solo, ma a quel punto intervenne Corinne Schwab, detta “Coco”, sua assistente personale dal 1973, la cui enorme devozione gli salvò la vita. “A quei tempi ero completamente fuori, ma solo Coco mi fece capire quanto fossi stupido, e come riprendere in mano la situazione”, confesserà Bowie anni dopo. Non a caso, le avrebbe lasciato in eredità la bellezza di due milioni di dollari. Che poi i due siano stati amanti, non è dato di saperlo...

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“Passai buona parte delle interviste a difendermi dall’accusa di avere dedicato I’ll Stick Around a Kurt. Soprattutto il verso I don’t owe you anything… Ho giurato sulla Bibbia. Sono una persona sensibile e non gli avrei mai mancato di rispetto. Qualche domanda mi fu rivolta pure per la copertina: sono appassionato di sci-fi e quella raffigurata è la pistola giocattolo di Buck Rogers, ma in fondo erano passati solo quindici mesi da quando Kurt si era tolto la vita”. E aggiunge: “Ho riflettuto molto sul fatto che i Nirvana fossero dei pessimi comunicatori. Eravamo totalmente passivi-aggressivi. È qualcosa che cerco tuttora di dominare e quando trasmetto un’opinione penso di essere stupido oppure ho paura di diventare la più grande testa di cazzo del pianeta. Ma in questa band siamo orgogliosi delle nostre qualità comunicative”.

Dave Grohl doveva dimostrare di valere qualcosa e saper scrivere una canzone, soprattutto dopo l'ascesa dei Nirvana...

I’ll Stick Around e Big Me andarono abbastanza bene, ma FOO FIGHTERS non vendette come avrebbe potuto. Soprattutto Grohl doveva dimostrare di sapere scrivere canzoni, suonare la chitarra e cantare, dopo avere vissuto dal suo drum kit l’esplosione del grunge e l’incredibile ascesa dei Nirvana. I suoi testi erano indecifrabili, a parte quello di Oh George (Trace around the corner / this is what I’ve learned / always waited for my turn…) e la violenza di alcuni passaggi venne definita come “pugni che proteggono un viso vulnerabile”.

Nel 1996 il gruppo registrò una cover di Down In The Park di Gary Numan, per la colonna sonora di X Files, poi invitò in studio Gil Norton (Pixies, Throwing Muses) per dare alla luce THE COLOUR AND THE SHAPE. “Avevo registrato il primo album tutto per conto mio e in soli cinque giorni. Volevo che suonasse bene, ma non avevo intenzione di pubblicarlo. Il suono di chitarra è sempre lo stesso, il suono di batteria è sempre lo stesso e le parti vocali sono affrettate. Per il secondo album, l’approccio è stato totalmente diverso. Ho speso più tempo sugli arrangiamenti e sui testi. Avevo meno paura di dire qualcosa. Wind Up per esempio parla della stampa e di quando mi capita di leggere di musicisti che passano il tempo a lamentarsi. Divento matto a pensare a questi individui che non capiscono quanto siano fortunati. Ci sono le rockstar e poi ci sono quelli come me, fanatici della tecnologia e degli UFO”.

Finalmente i Foo Fighters possedevano un’identità sonora, in costante bilico tra alternative rock e punk collegiale, e soprattutto canzoni come Monkey Wrench e Everlong, in grado di stoppare qualunque critica. Intanto la line-up cambiò ancora con l’ingresso di Taylor Hawkins, già batterista di Alanis Morissette, e Franz Stahl al posto di Pat Smear. “Credo che Pat abbia lasciato la band” – rammenta Grohl – “per la paura di volare. Non aveva più voglia di venire in tour ed era comprensibile che avesse altri interessi. Franz è quasi un fratello per me. Pezzi come Monkey Wrench o Enough Space suonano come se fossero suoi. Avrebbe dovuto essere nei Foo Fighters fin dall’inizio, ma era impegnato con i Wool. Più o meno è successo lo stesso con William. Avevamo appena terminato di registrare l’album e ci siamo resi conto che lui avrebbe voluto essere da un’altra parte. Inoltre, suonate da lui, le parti di batteria non funzionavano. Non erano abbastanza potenti e così, d’accordo con Gil, decisi di registrarle da capo”.

Tratto dal numero #59 di Classic Rock Italia

Proprio così, "In caso di emergenza, suonare un Ukulele!". L'artista è stato sovvenzionato direttamente dal Burning Man per realizzare queste installazioni che, oggi, sembrano proprio delle piccole oasi rosse nel deserto.

L'artista ha poi dichiarato: “Cosa succederebbe se le infrastrutture pubbliche rispondessero davvero ai bisogni emotivi e intimi dei suoi cittadini?”

foto di Rusty Blazenhoff

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I Necromandus erano una band proto-metal blues originaria del Cumberland, nel nord-ovest dell'Inghilterra. Il loro batterista, Frank Hall, aveva visto per la prima volta il chitarrista dei Sabbath Tony Iommi e il batterista Bill Ward suonare con la loro band precedente, i Mythology, in un pub locale. Qualche tempo dopo, l'allora band di Hall, gli Heaven, supportò una band chiamata Earth in un pub locale chiamato The Tow Bar. Gli Earth presentavano i due ragazzi che Hall aveva visto dai Mythology con un nuovo bassista e cantante, Geezer Butler e Ozzy Osbourne.

"Ho incontrato John a un soundcheck", ha detto Hall a Classic Rock nel 2017, riferendosi a Ozzy con il suo nome di nascita. “Non aveva scarpe, sembrava poco sobrio. Ed era scortese. Maleducato e incazzato. Ma aveva presenza scenica. Non riuscivo a staccare gli occhi da lui, scuotendo la testa su e giù. Cantava con il dito premuto nell’orecchio."

Gli Earth successivamente cambiarono presto il loro nome in Black Sabbath, mentre Hall lasciò gli Heaven e formò i Necromandus con il cantante Bill Branch, il bassista Dennis McCarten e il chitarrista Barry 'Baz' Dunnery. La loro amicizia con i Sabbath ha giocato a loro favore quando Tony Iommi è salito a bordo come co-manager. Ma nemmeno questo riuscì ad aiutarli a sfondare: mentre registravano un album nel 1972, fu accantonato dopo che la band si sciolse nel 1973, quando Baz Dunnery se ne andò improvvisamente alla vigilia del tour americano di apertura dei Sabbath.

Di Dave Everley, Loudersound