Regulars

8 / The Dirt: Le novità, le anticipazioni, i rumour: Claudio Trotta promette una valanga di grandi eventi, mentre a Firenze si rivede Donovan.

14 / Record Store Best Of Rock & Folk – Torino

16 / Led Zeppelin: Moby Dick

18 / Stonemusic: Le ultimissime, direttamente dal nostro sito.

26 / Q&A: Mike McCready

58 / Feedback: I Tazenda riportano le canzoni di MURALES in concerto, mentre i Sonic Universe si annunciano come una delle migliori sorprese di questo 2024.

82 / Hard Stuff: Le novità discografiche, le ristampe, i libri, i fumetti, ma anche i consigli per chi la musica la crea.

106 / Live Review: Di musica live in giro ce n’è ancora poca, ma Bruce Cockburn e Leon Hendrix non sono concerti che capitano tutti i giorni.

110 / Opinioni: Chiacchiere da bar su un argomento spinoso.

113 / Soundtrack Of My Life: Edward Van Halen

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Janis Joplin: un ritratto intimo e toccante. Un ricordo di una delle voci più graffianti e incisive del rock, con un focus sulla sua ricerca musicale e personale.

Claudio Lolli: i dischi commentati attraverso le sue parole. Un'occasione unica per approfondire la poetica e la visione di questo artista controcorrente.

Mannarino: le canzoni che raccontano storie magiche. Un'intervista al cantautore romano per scoprire il suo processo creativo e il significato profondo delle sue canzoni.

… e non è tutto!

Contributors: Scopri chi sono le persone che danno vita a Vinile ogni mese.

Fuori dal Coro: Mauro Ermanno Giovanardi. Un'intervista a un artista eclettico e anticonformista che ha lasciato il segno nella musica italiana.

Negozi di dischi: un viaggio tra vinili e passione. Un tour virtuale tra i negozi di dischi più interessanti d'Italia.

Recensioni: Le ultime novità  musicali passate al vaglio dei nostri esperti.

Il Passaparola: Lavinia Mancusi. Un ritratto di questa giovane cantautrice, “la donna del folk”, che sta conquistando il pubblico con la sua voce e il suo talento.

Libri: Recensioni di volumi che raccontano il mondo della musica e dei suoi protagonisti.

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L'idea non era campata per aria, dal momento che anche nell'autobiografia di Stewart, uscita nel 2012, il cantante aveva accennato al progetto, evidentemente mai realizzato. Lo spunto era nato durante una riunione di lavoro in una casa che i Queen avevano affittato a Bel Air: "Abbiamo parlato della possibilità di formare un supergruppo composto da noi tre. Il nome che avevamo in mente era Nose, Teeth & Hair, un omaggio alle nostre caratteristiche estetiche. L'idea generale era che potessimo apparire vestiti come le Beverley Sisters", ha scritto, riferendosi alla versione inglese delle Andrews Sisters. "In qualche modo questo progetto non si è mai concretizzato, il che è la lacuna più profonda e duratura della musica contemporanea".

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Così iniziò la carriera musicale dei The Clash, uno dei gruppi che siamo soliti associare al punk, insieme ai loro primi modelli: i Pistols, appunto. A questo proposito, ecco una dichiarazione di Joe Strummer, voce e chitarra dei The Clash:

Ho letto la parola "punk" per la prima volta sul Time Out, un magazine londinese. Il giornalista scriveva che gli Eddie and the Hot Rods erano una band punk di seconda generazione. Mi ricordo di aver pensato "cosa significa questa parola?". Poi sono arrivati i Pistols ed è diventato chiaro cosa fosse il punk.

Ma non è tutto oro ciò che luccica: in effetti, durante gli anni di attività delle due band londinesi, nacquero alcune rivalità fra di loro, o meglio, tra i fan di ciascun gruppo. All'epoca si diceva che se i Sex Pistol volevano solo distruggere, i The Clash volevano unire e, subito dopo lo scioglimento dei Sex Pistols, i The Clash vennero acclamati come unica vera band punk da molti. 

Dal canto suo, Johnny Rotten, la voce dei Sex Pistols, qualche anno più tardi avrebbe dichiarato:

I The Clash non mi piacevano per niente. La loro idea di musica era un po’ di citazioni di Karl Marx con uno straccio di melodia sotto.

Cercando di stare lontani da estremismi e avendo una visione d'insieme più oggettiva per via degli anni trascorsi da quella prima ondata punk, possiamo dire che entrambe le band, in modi diversi, hanno contribuito a creare l'idea che oggi abbiamo di quegli anni e a ispirare molte giovani promesse del punk. Un genere che, nel frattempo, si è affermato ampiamente.

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Chi l'avrebbe detto che un mal di denti di Freddie Mercury, avrebbe portato i Sex Pistols in diretta nazionale?

Grundy, commentò le uscite dei Pistols definendoli volgari cafoni, nonostante il tam tam di provocazioni e parolacce, il produttore, non fermò la diretta, perchè avrebbe causato trenta secondi di vuoto, in cui sarebbe potuto accadere di tutto e in cui la band avrebbe avuto, praticamente, libero arbitrio; allontanandoli dall'intervista invece, avrebbero causato guai ben peggiori. Dopo che Grundy iniziò apertamente a flirtare con Siouxsie Sioux, alle spalle della band, Jones si indispettì. Perciò il conduttore, passò all'attacco: "Forza, hai cinque secondi. Dimmi qualcosa di davvero cattivo!", la replica del chitarrista non si fece attendere: "Bastardo cazzone pipparolo. Fottuto rottoinculo!". Jones diventò il primo proletario ad aver pronunciato quella parola in tv: i tabloid impazzirono.  Era tutto vero.

Dietro le quinte, finito lo show, andò anche peggio. I Sex Pistols vennero fatti sedere nella sala degli ospiti, nel frattempo, i centralini impazzirono. Le chiamate divennero tali che gli operatori non riuscirono a rispondere, perciò le telefonate vennero automaticamente dirottate, indovinate un po'? Nella saletta degli ospiti. I Pistols, coi loro amici, iniziarono a rispondere agli ascoltatori indignati a modo loro, sbeffeggiandoli, e facendo sfoggio di innumerevoli parolacce. Non sappiamo come questo retroscena possa essere rimasto nascosto così a lungo dalla stampa, di sicuro avrebbe solamente aggiunto benzina sul fuoco.

Dopo quella sera, nulla fu più lo stesso. Potremmo dire che sotto molti punti vista, finirono entrambe le carriere, dei Pistols, e quella di Grundy. Lo Show venne cancellato due mesi dopo, e il conduttore non lavorò mai più in televisione. Mentre, il caos che seguì i pistols si dice ne distrusse la carriera; nei due anni successivi, fino allo scioglimento della band nel gennaio del '78 aggiunsero solo quattro pezzi al loro repertorio. Si ritrovarono come mosche cristallizzate nell'ambra della notorietà. La EMI li scaricò, diversi concerti furono cancellati. E Glenn Matlock se ne andò: arrivò Sid Vicious.

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Così Thom si tagliò i capelli con una utensile multi-uso corredato di forbici. "Il risultato fu disordinato. Scesi al piano di sotto e tutti mi guardarono come 'Uh, stai bene?', e io 'Che c'è di sbagliato', Phil Selway mi accompagnò gentilmente al piano di sotto, dove mi aiutò a rasarmi a zero."

Yorke, riflettendoci oggi, dice: "Veramente, è davvero malato pensare a dove stava la mia testa in quel momento."

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La sua franchezza si estende anche alla musica pop attuale. Pur riconoscendo il ruolo positivo della presenza di donne di successo nell'industria, Love critica la mancanza di originalità e la tendenza all'omologazione. Secondo la cantante, molte artiste sono diventate dei cliché e la loro musica risulta stereotipata e priva di personalità. L'unico spiraglio di positività che Love intravede è rappresentato da Beyoncé e dal suo disco country “Cowboy Carter”. In questo gesto, Love riconosce un atto di ribellione contro le barriere razziali e un'affermazione di identità culturale, valori che apprezza profondamente, pur non apprezzando particolarmente la musica dell'artista.

Fonte: Loudersound, di Stef Lach

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In tema di successori, Ulrich ha anche discusso di un ipotetico scenario in cui uno dei musicisti dei Metallica non sia più in grado di suonare. A quel punto, che fine farebbe la band senza uno dei suoi membri fondamentali? "Questa è una delle domande più difficili cui io possa rispondere." ha esordito Ulrich. "Penso che molto dipenda dalle circostanze, cerco sempre di parlare della realtà momentanea e negli anni scorsi ho detto un sacco di cazzate, e molte sembrano perseguitarmi."

"E' difficile immaginare i Metallica in altre circostanze. E' una domanda difficile cui rispondere. Non ho davvero una risposta.".

"Edge mi ha piazzato un bel pugno", ha detto Bono, mimando l'impatto di un colpo al lato della faccia. "Mi ha colpito molto, molto forte.” Nel libro "U2 by U2", la band ha fornito ulteriori dettagli sull’incidente. "Avevo dato il via a una canzone, e Larry non era entrato", ha spiegato Bono. "Ho ricominciato il conto, e lui non è ancora partito. Ho guardato intorno; sembrava che si stesse nascondendo dietro la batteria, dal mio sguardo fulminante. Così ho preso la batteria per mostrare al pubblico il batterista nascosto, e l'ho lanciata tra la gente."

"Mi ha inseguito intorno alla batteria, voleva uccidermi con un asta del microfono", ha raccontato Larry Mullen Jr.. "Sono corso allo spogliatoio, correndo per la mia vita. Edge è intervenuto e si è preso uno schiaffo mentre cercava di salvarmi.”

"Edge mi ha dato un pugno", ha ricordato Bono. "È stata una vera rissa, con tutti i membri della band che mi prendevano a botte, e io che ricambiavo. Era una pantomima pura…ma Edge sa tirare un pugno. C'è una lezione qui: non litigare mai con un uomo che si guadagna da vivere con la coordinazione occhio-mano."

Fonte: Paul Brannigan, Loudersound

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«Gli Yardbirds erano sempre stati fantasticamente sgargianti, imperscrutabilmente cool, e favolosamente irraggiungibili»

Gli Yardbirds insomma erano la storia vivente – anche nel 1968. Ma anziché resistere e tramutarsi in un gruppo da Lp, cosa che tramutò i loro contemporanei Who, Kinks, Cream e Stones in superstar mondiali, alla fine degli anni 60 gli Yardbirds stavano per buttare la loro carriera nel cesso. Perché? Il problema, dice McCarty, era che “eravamo disperati. Non volevamo fare un altro tour degli Yardbirds”. Erano mesi che lui e il cantante Keith Relf discutevano tra loro di questa cosa… “Volevamo cambiare. Fare un altro tipo di canzoni, un altro tipo di musica. Qualcosa di più …rinfrescante. Dopo che ogni sera, tutte le sere, suonavi sempre la solita roba pesantissima… ci sembrava tutto senza uno scopo, un obiettivo… ma loro volevano andare avanti." ‘Loro’ erano Dreja e Page. E cazzo, certo che volevano andare avanti. O almeno, lo voleva Jimmy Page.

Quella notte all’Anderson Theatre fu un perfetto momento alla ‘sliding doors’. Basta ascoltare la registrazione live dello show – ora disponibile ufficialmente per la prima volta in YARDBIRDS ’68 (prodotto e restaurato digitalmente da Page e disponibile in diversi formati sul suo sito ufficiale) per capire cosa sarebbe potuto succedere se McCarty e Relf non avescoversero voluto smettere con tanta fermezza: non è esagerato definire il gruppo che suonò su quel palco quella sera i proto-Zeppelin. E non c’è nulla di male nel chiedersi cosa sarebbe accaduto se Page non se ne fosse andato tre mesi più tardi per trovare un nuovo cantante e una sezione ritmica con cui suonare – per creare quello che prima fu annunciato come gli Yardbirds featuring Jimmy Page, poi poche settimane dopo i New Yardbirds. E poi, ancora più improvvisamente, come un’entità del tutto nuova chiamata Led Zeppelin. In effetti, ascoltando il disco dal vivo del ’68, ‘i New Yardbirds’ sarebbe stata una descrizione più accurata della formazione che Page mise assieme nei mesi che seguirono il concerto all’Anderson Theatre. Perché era tutto già là a New York, nel marzo del 1968. Non solo l’impostazione sonora di Train Kept A-Rolling, Dazed And Confused e White Summer – ma anche quell’atteggiamento un po’ spocchioso alla ‘Non provateci nemmeno, siamo di gran lunga superiori a voi tutti’...

Leggi l'articolo completo nella cover story di gennaio di Classic Rock Italia! Disponibile anche online cliccando qui!

Fate un rock-prog con influenze psichedeliche. Quali sono le vostre fonti d’ispirazione?
(Cinzia) Effettivamente il nostro sound ha un richiamo alla musica rock progressiva e psichedelica. Jethro Tull, Gentle Giant, Uriah Heep e altri ancora sono sicuramente modelli di riferimento, ma se suonare musica prog significasse solo tempi dispari, suite di oltre 20 minuti e utilizzo obbligatorio di mellotron allora si andrebbe contro il concetto stesso di musica progressiva. Ovviamente, anche noi gli siamo debitori, ma cerchiamo di farne buon uso per proporre qualcosa di nuovo (o almeno tentare di farlo!).

Quali sono stati i percorsi musicali, anche individuali, che vi hanno condotto al vostro sound attuale?
Io (Mike) ascolto da sempre musica rock e heavy metal. Iron Maiden, Deep Purple, Toto, King Diamond e altri ancora fanno parte del mio bagaglio musicale. Ho imparato a suonare la batteria “rubando” dai più grandi! Ognuno di noi attinge al proprio background di ascolti ed esperienze che vanno a confluire e ad arricchire nelle forme più varie il sound della band. Io e Raffaele, chitarrista dall’anima blues, ai tempi del liceo, un po’ come Brian May e Roger Taylor dei Queen, ci incontravamo ogni pomeriggio in un negozio di strumenti musicali e suonavamo insieme per ore, anche con musicisti di passaggio! Mentre Cinzia, che è una musicista più “classica”, ha avuto l’onore di conoscere ed esibirsi con Mike Moran, che con i Queen ci ha suonato davvero!

Quanti album avete all’attivo e cosa ci dite a riguardo?
(Cinzia) Nel 2012 è uscito il nostro album d’esordio ONCE UPON A TIME, seguito nel 2015 da BACK TO EARTH, entrambi pubblicati dall’etichetta indipendente M. P. & Records. Pur avendo in comune le sonorità rock e la psichedelia, il primo è più spontaneo, vivace e meno “meditato”, mentre il secondo è un vero e proprio “concept” dove la musica si fa più ponderata, la scelta dei suoni è maggiormente curata e il tutto tende verso una dimensione più oscura e introspettiva.

Cosa ne pensate del rock in Italia? E voi, come siete percepiti dal pubblico?
(Raffaele) Questa è una domanda difficile! L’attuale scena rock italiana è ricca di nuovi gruppi di qualità, ma in un mondo musicale dove il pop commerciale “usa e getta” la fa da padrone, il rock trova poco spazio. E’ un vero peccato perché il rock è ascoltato da tutti, anche i più giovani, che vanno ai concerti e comprano ancora i dischi. La situazione realmente drammatica riguarda le band emergenti, come la nostra: molti locali preferiscono le cover band di Vasco Rossi o Ligabue per fare cassa. Nella migliore delle ipotesi, anche tribute band dei Pink Floyd, o dei Queen. Per questo le radio nazionali difficilmente inseriscono un tuo brano nella programmazione, e le possibilità di farsi conoscere si limitano ai social, le radio indipendenti e qualche rarissimo festival di settore.
Il rock non è morto, ma vive nel (e del) passato. Dobbiamo lottare ogni giorno per evitare l’estinzione e, forse, siamo più apprezzati all’estero che in Italia. In generale, quando suoniamo, il pubblico viene catturato dalla nostra musica e questo ci fa ben sperare per il futuro!

Vi siete aggiudicati il contest di «Classic Rock» con il brano Lady Viper, “la donna vipera”. Cosa si cela dietro a questo pezzo?
(Raffaele) È una metafora che descrive il dualismo tra la paura di cedere alle tentazioni e il desiderio di farlo. Rappresenta l’eterna lotta tra la ragione e l’istinto, tra il dovere e il piacere. La nostra “Lady Viper” è una figura femminile “velenosa”, una sorta di sintesi tra Eva, la prima donna, e il serpente dell’Eden, che attira
a sé l’Adamo di turno, apparentemente intenzionato a resistere al fascino del proibito, ma segretamente desideroso e attratto dalla figura tentatrice e dalla sensazione stessa dell’essere tentato. Cosa fare? Cedere o resistere?

Se vi chiedessimo cosa è cambiato dall’inizio di questo percorso ad oggi, cosa ci direste?

(Mike) Da quel primo EP del 2010 di cose ne sono successe! Il primo lavoro discografico pubblicato nel 2012, un tour europeo l’anno successivo, un secondo album nel 2015, il recente ritorno in Inghilterra con il concerto di Liverpool, la vittoria del contest di Classic Rock Italia! Quando abbiamo iniziato questa avventura non potevamo immaginare di ottenere risultati così importanti. Partire da una sala prove delle campagne umbre e arrivare a suonare a Londra al famoso The Hope and Anchor dove si sono esibiti, tra gli altri, Dire Straits, Clash, Police, Ramones, è un sogno che si realizza, così come partecipare al Balkan Youth Festival in Bulgaria e suonare davanti a migliaia di persone, o condividere il palco con artisti che hanno segnato la tua crescita musicale come i leggendari Biglietto Per L’Inferno, oppure essere l’opening act di Bernardo Lanzetti, cantante storico della PFM. Abbiamo avuto anche momenti difficili, specialmente dopo il cambio di formazione, ma ciò che è rimasto immutato è l’entusiasmo e la voglia di andare avanti, di continuare a crescere e di fare sempre meglio, scrivendo nuova musica e continuando a sognare!

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Musicalmente, si era arrivati a un punto morto: la creatività in città era, per diverse ragioni, ridotta quasi a zero. Si faceva musica come sempre, ma non si inventava quasi nulla. Più o meno, questo avveniva anche a livello nazionale: i cantautori iniziavano a… “cantarsi addosso”, i gruppi rock si impelagavano in un progressive sempre più arzigogolato e perfino la canzone commerciale viveva una fase di grande stanchezza rappresentata dal quasi annientamento del Festival di Sanremo, quasi abbandonato anche dalla televisione. A dare uno scossone all’ambiente musicale ci pensò l’esplosione del punk, ma questo fu solo uno dei mille aspetti che contribuirono all’ebollizione di quegli anni.
Perché se la Bologna del tempo sembrava il solito placido paesone addormentato, sotto la cenere la situazione era culturalmente e politicamente esplosiva. Dal 1975, il Conservatorio G.B. Martini vantava due corsi unici in Italia: Musica elettronica di Gianfelice Fugazza e Musica d’uso di Ettore Ballotta. In quei corsi si stavano preparando alcune delle menti più lucide della musica di quegli anni e di quelli a venire, come ad esempio i produttori Oderso Rubini (ne riparleremo),  Mauro Malavasi, Fio Zanotti e Celso Valli. Poi il Dams, che esisteva da diversi anni, nel ‘77 arrivava a ben 12.000 iscritti tra i quali futuri fumettisti, giornalisti e scrittori come Pazienza, Tondelli, Cacucci, Lucarelli o Iacona. Poi dal febbraio ‘76 trasmetteva Radio Alice, emittente che prima ancora che “incitare alla lotta armata” (questa la motivazione con cui fu chiusa) rappresentava un caposaldo della controinformazione: un microfono aperto a chiunque volesse dire qualcosa, una fonte inesauribile di musica che nessun altro trasmetteva, il catalizzatore di tanta disordinata, caotica e urgente creatività. Tutti questi elementi contribuirono in maniera determinante alla formazione di una “nuova” coscienza giovanile, nuovi gusti, nuove istanze. Proprio tra il ‘76 e il ‘77 prese vita il Movimento Studentesco che rivendicava con enorme forza spazio per idee, fantasia e creatività. Uno spazio che in nessun senso le istituzioni sapevano dargli. E non si trattava solo di rivendicazioni culturali: in una città storicamente governata dal PCI, il “nemico” del Movimento non era la destra italiana (qui quasi inesistente), ma la molto più ingombrante sinistra istituzionale: non a caso, accanto al portone d’ingresso della Facoltà di Lettere campeggiava l’enorme scritta “In Cile i carri armati, in Italia i sindacati”.
Sempre nel 1977, la stragrande maggioranza  degli iscritti al PCI bolognese aveva più di 40 anni: i giovani non si riconosceva più in un partito sempre più condiscendente (a livello locale e nazionale) con la DC, e se ne allontanavano. Di sicuro, chi governava la città non capì (o non volle, o non poté capire) la ricchezza del Movimento e delle sue idee, che erano sicuramente confuse e magari contraddittorie, ma avevano comunque il dichiarato obiettivo di mettere in crisi qualsiasi modello esistente, visto come impedimento alla libera creatività...

Tratto da Classic Rock #27

"...quando ho iniziato a pensare al materiale per ‘Rankarumpu’, mi sono posto un obiettivo. Un paio di dischi precedenti, in particolare ‘Kulkija’ (2018), erano nel complesso un po' più lenti, quindi questa volta ho voluto beneficiare di un tempo un po' più veloce, un po' come il vecchio Korpiklaani." spiega Jonne Järvelä “...per la maggior parte ‘Rankarumpu’ - nel suo insieme, probabilmente l'album più orecchiabile della band fino ad oggi - corre avanti ad un ritmo più veloce. La primissima cosa che ho finito è stata la traccia contro la guerra ‘Tapa sen kun kerkeet’. Beh, indovina un po'? È una canzone dei Korpiklaani che scorre veloce con un ritornello orecchiabile. La canzone ‘Viikatelintu’ ha angoli emozionanti che non avevamo mai provato prima. È simile a una ballata con una calma melodia vocale - una cosa rara in questo album”.

Samuli Mikkonen, che si è unito alla band nel 2019, scrive i testi di ‘Saunaan’ e‘Kalmisto’, gli altri sono ad opera di Järvelä e hanno ancora una volta molti temi finlandesi distintivi e molte delle storie sono legate a paesaggi nordici, vecchi miti e così via. "Tuttavia, non si tratta solo di raccontare storie sulla Finlandia, le nostre tradizioni e così via. Ad esempio, la canzone del titolo ‘Rankarumpu’ parla di noi - Korpiklaani. È un tributo pienamente consapevole a questa band e ai suoi membri. Questa canzone riassume semplicemente su cosa sono i Korpiklaani." dice Järvelä 
“Una delle caratteristiche più meravigliose del nuovo album  è legata agli strumenti popolari. Sebbene i Korpiklaani abbiano fatto una o forse anche un paio di cose indimenticabili nel regno del folk metal, questa volta il violino di Olli Vänskä e la fisarmonica di Sami Perttula potrebbero sorprendere anche i fan più accaniti…oserei dire che gli strumenti folk non sono mai stati una parte così essenziale del nostro suono"

"...Abbiamo fatto un intenso tour nel Regno Unito con gli Alestorm a febbraio/marzo. Poi andremo in Nord America ad aprile. Poi suoneremo ai festival. Poi faremo un tour europeo... E poi faremo ancora un po' di tour. In altre parole: saremo impegnati a promuovere questo fantastico nuovo disco ai fan di tutto il mondo e non vediamo l'ora!".

Jonne Järvelä | Voce, Chitarra acustica 

Sami Perttula | Fisarmonica

Olli Vänskä | Violino

Jarkko Aaltonen | Basso

Kalle „Cane“ Savijärvi | Chitarra

Samuli Mikkonen | Batteria e percussioni 

Parlando dell'album, McKagan ha dichiarato: "In parole povere, sono canzoni d'amore. È un riassunto della mia relazione con mia moglie Susan. Io sono la persona che attraversa l'oceano, finendo per arenarsi sulla riva, e lei è il faro. Ma anche in un senso più ampio, durante il Covid eravamo tutti confusi e spaventati: 'Cosa succederà adesso?' Cercavo sempre qualcosa di bello a cui aggrapparmi."

Il mese scorso McKagan ha pubblicato un'extended version dell'album che include otto tracce aggiuntive e un video di un'esibizione live di nove brani registrato all'Easy Street Records di Seattle, WA.

Duff McKagan: Tour Europeo 2024

30 Set: Dublino, Academy (Irlanda)

02 Ott: Glasgow, Oran Mor (UK)

03 Ott: Manchester, Academy 2 (UK)

05 Ott: Londra, Islington Assembly Hall (UK)

07 Ott: Utrecht, Grote Zaal (Paesi Bassi)

08 Ott: Colonia, Kantine (Germania)

09 Ott: Monaco, Freiheitshalle (Germania)

11 Ott: Brno, Sono Centrum (Repubblica Ceca)

13 Ott: Varsavia, Stodola (Polonia)

14 Ott: Berlino, Heimathafen (Germania)

16 Ott: Milano, Magazzini Generali (Italia)

17 Ott: Soletta, Kofmeh (Svizzera)

19 Ott: Liegi, OM (Belgio)

20 Ott: Parigi, Trianon (Francia)

22 Ott: Stoccolma, Nalen (Svezia)

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Anche per quello, con sprezzo del pericolo e valoroso autolesionismo, fondai nel 1969 una rivistina ciclostilata che non chiamo fanzine perché neppure il termine era ancora nato in quei giorni. Si chiamava «Blues Anytime», “organo del John Mayall Fan Club of Italy”, che poi con il contributo di Paolo Carù diventò «Pop Messenger Service» e infine, tornato io one man band, si trasformò in «Freak», “mensile pop per lucide menti aperte”. Lì parlavo della musica che mi piaceva, il poco che riuscivo ad arraffare su disco con le mie magre finanze e con gli ascolti radiofonici (fondamentale Count Down, ma valeva anche Studio Pop, sulle onde della Radio Svizzera Italiana). Le riviste erano di poco aiuto; quelle straniere, da «Rolling Stone» al «Melody Maker» alla splendida, dimenticatissima «Jazz&Pop», circolavano ventimila leghe sotto i miei mari, e quelle italiane non “di settore” dedicavano al nuovo rock poco davvero – mi piace però citare «Ubu», un foglione molto d’epoca curato da Franco Quadri, che su uno dei suoi pochi numeri dedicò largo spazio a Bob Dylan…

…continua sul terzo numero di CIAO 2001, già disponibile online e in edicola!

Refugee era la canzone perfetta, quella che avrebbe sbloccato Petty una volta per tutte

Nel 1979, i due amici non avevano ancora scritto molto assieme, ma Denny Cordell, che in seguito sarebbe stato il loro produttore, suggerì che poteva essere una buona idea. Proprio in quel periodo, Campbell e Petty avevano scritto un brano immaginato come primo singolo di quello che sarebbe stato il disco d’esordio dei Tom Petty & the Heartbreakers, ma non era un granché. Poi Campbell comprò il suo registratore quattro piste e qualcosa cambiò.
“Fu in quel preciso momento che il talento di Mike sbocciò”, ricordava Petty. “Stava sempre a trafficare con quei nastri che preparava a casa sua. Per il nostro terzo album, DAMN THE TORPEDOES, mi portò questi due brani incredibili: Refugee e Here Comes My Girl. Fu lì che si sbloccò”.
Con quel materiale, anche la Musa di Tom Petty si sbloccò: gli ci vollero solo 10 minuti per scrivere un testo da montare sulla musica priva di titolo che aveva ascoltato nella cassetta datagli da Campbell. Ma questa fu l’ultima cosa facile di Refugee.

“Ricordo solo di avergli dato la cassetta dicendogli: ‘Ecco qualche demo’”, racconta Campbell sorridendo. “Non ci pensai più di tanto. Poi, alla successiva sessione di prove, lui mi disse: ‘Ho lavorato sul tuo nastro e ho messo un testo a questo brano’. E io, incuriosito: ‘Davvero?’. Quando me la suonò, rimasi a bocca aperta. Subito dopo, il gruppo cercò di impararla e questo fu un bel problema: cercare di catturare dal vivo con la band la magia di quel demo non era impresa facile e richiese del tempo”.

Dal numero #60 di Classic Rock